Lâcher la bride (2)

« Il n’y a pas de rapport sexuel. » Bam. Parce que, à ce que j’en ai compris, et quoi qu’en disent certaines féministes, il y a entre le désir de chaque genre quelque différence qui, ici, importe : l’homme, à le dire vite, disjoint assez bien l’objet de l’amour de celui de la pulsion, ce que la femme, je parle par ouï dire, et donc le mets au conditionnel, serait tout à fait capable de faire converger les deux dans l’être de son élection.

Et de là ne faut-il pas s’étonner qu’en d’autres termes, monsieur s’alarme de ce que la jouissance ait lieu sans lui – c’est-à-dire qu’il soit jaloux.

Lâcher la bride

Songeant à la difficulté d’écrire, de dire, de parler, tout cela transitivement – dire, écrire, parler quelque chose, avec le souvenir de Wittgenstein ici en embuscade, je me dis un jour que, comme ces polygraphes et plumitifs que les médias légitiment en intellectuels, peut-être faudrait-il « lâcher la bonde ». Aussitôt pris d’un doute, il me fut absolument impossible de me souvenir que l’expression existe bien sous cette forme – ce que je ne vérifiai que le lendemain dans un dictionnaire –, ni surtout de me rappeler l’expression exacte : ouvrir la bonde, oui, mais lâcher quoi ? Ravi d’être placé là devant non pas une, mais bien deux manifestations de l’inconscient telles que Freud en a fait l’étude : le lapsus, d’une part, et l’oubli d’autre part.

Quant à l’oubli, cette vertigineuse sensation que quelque chose échappe, mais avec insistance, je ne voyais à mieux dire, tout au plus, que « lâcher les chevaux », sans en être convaincu mais sentant confusément que c’était là que ça se passe. Et puis la bride enfin : « lâcher la bride ».

Dès lors, il me fallait comprendre ce qui dans la bride posait cette difficulté. Ce n’est le soir que, somnolent, je me rappelai subitement que bride, c’est en anglais la jeune mariée, un terme que sans doute je ne connais que par Duchamp et sa Mariée de 1912, développée dans les années qui suivirent en la fameuse Mariée mise à nue par ses célibataires, même. Après tout, Duchamp ne nous-a-t-il pas habitué à ces jeux de mots bilingues et hermaphrodites, la gaze, notamment, tissu en français et regard en anglais, sans oublier le gaz, carburant viril de sa machine ?

Pour écrire, il faudrait donc que je lâche la bride, la mariée, c’est-à-dire vraisemblablement quelque chose qui aurait à voir avec mon désir – mais quoi ?

À ce point, il me faut revenir sur ce qui, passé presque inaperçu sur cette chaîne qui me conduit de la bonde à la mariée, et pour cette raison même tenant à ce genre de déplacements, doit avoir quelque importance : j’entends mieux, à ce point, que pour écrire, dire, parler, il me faut « lâcher l’écheveau ». Et ouvrir l’abonde.

3. Sens dessus dessous

Il me revenait l’autre jour ce que disait au sujet des sols cet ingénieur agronome, Claude Bourguignon, qui entre autres choses passionnantes évoquait l’aberration en quoi consiste selon lui – et, pour le peu que j’en connaisse, cela est convaincant – un labourage profond. Je me demandai donc ce que mon grand-père eût pu en penser, lui que je voyais chaque automne consciencieusement bêcher son jardin, ignorant sans doute que les paysans boliviens, de toute éternité, ne plantent pas les pommes de terre dans le sol mais les y posent, les recouvrant simplement de paille.

À trop les retourner, explique Bourguignon, le paysan occidental a tué les sols : amenant dessus ce qui est dessous et inversement, ce qui altère les processus chimiques et organiques en jeu. Littéralement : c’en dessus dessous, qui par un de ces miracles dont l’histoire de la langue est coutumière, a fini par s’écrire sens dessus dessous.

À ce point, s’éclaire tout aussi miraculeusement le destin, chez Jacques Lacan, d’une formule de Ferdinand de Saussure. Ce dernier formalisait en effet le rapport (arbitraire) du signifié (le concept) et du signifiant (l’image acoustique) par Sé/Sa. Le signifié sur le signifiant. Position qu’inverse Lacan : le signifiant sur le signifié. Sens dessus dessous.

(à suivre)

Mercredi 16 mars : Renaud Subra

Renaud Subra collabore avec Chloé Royac depuis 2005 sous le pseudonyme CRYRS. Ensemble, ils compilent textes, photo et vidéos numériques pour créer des pièces polymorphes desquelles se dégagent une gêne plastique et un sentiment d’absurde. Les codes usuels de la représentation et du divertissement en général sont ainsi mis l’épreuve de notre interprétation (Raisons suffisantes). L’animal devient une figure maîtresse à partir de 2009 et est utilisée comme semence sémantique et plastique (Ecce homo).
En 2013, Renaud Subra, sous le pseudonyme D. H. Arbus, entame isolément un travail de  « centaurisation », également le sujet de sa thèse, qu’il a commencée en 2012 sous la direction de Richard Leeman au sein de l’équipe ARTES (Unité CLARE, université Bordeaux Montaigne). Le pari de « L’art et la vie confondus » est réactivé dans un champ actuel par cette impossible métamorphose homme-animal. Il bannit alors l’idée même de représentation devenant alors un artiste sans œuvres qui favorise l’expérience et son partage à l’aboutissement plastique de son travail.

 

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Mercredi 17 février : Pierre Ménigault

Pierre Ménigault évoquera avec nous la musique des années 1980 à travers son expérience de DJ au célèbre Rachdingue, discothèque surréaliste à Vilajuïga en Catalogne, créée par Miette, muse et ami de Salvador Dali qui la décore et parraine son ouverture en 1968, et où des amis artistes comme Andy Warhol, César, Mick Jagger et bien d’autres venaient faire la fête.
En 1999 il commence à produire du son sous MAO (musique assistée par ordinateur). Il fonde en 2000 avec Manu Grillet le groupe M.A.D.S 33 et sort un CD 5 titres électro en 2001 (33 in cheese 1/3), année où il sort en solo sous le pseudo TurboPII l’album Bass is instinct. En 2009 il travaille avec Bärn Balta et le duo de Iflodge avec qui il enregistre Complex Scale,  album noise / indus. On peut également écouter sur myspace le CD 5 titres solo PHASES (2009) qu’il a enregistré sous le pseudo The M_Of_So. Cet album est un enchevêtrements de nappes synthétiques ; sur « Phase 5 », la voix de Nuschy nous fait partager ses désirs secrets.
Toujours attiré par de nouvelles expériences sonores, Pierre Ménigault entrecoupe ses productions de morceaux isolés comme « Hadron Collider » ou « Tangerine dream »,  interprétations personnelles de ces mouvements musicaux.

 

Photo : Pierre Ménigault en 1984

 

 

 

 

mercredi 20 janvier : Stéphane Corréard : ATTENTION RENCONTRE ANNULEE

Né en 1968 , successivement (et parfois simultanément) critique d’art, journaliste, collectionneur, commissaire d’exposition, galeriste et expert pour des ventes publiques, Stéphane Corréard évolue dans le monde de l’art contemporain depuis plus de trente ans. Eclectique, son parcours lui a permis de développer une vision panoramique des problématiques liées à l’évolution de cet univers, marquée par la place qu’y prend le marché, et l’industrialisation progressive de certains de ses acteurs et process. Deux constantes témoignent de son engagement singulier en faveur de l’art de son temps : une attention marquée pour l’émergence de nouveaux artistes, et un attachement viscéral à une « vision  française de l’art ». Lors de cette rencontre, Stéphane Corréard propose de dialoguer librement autour de ces questions, en revenant sur les moments-clés de sa vie professionnelle, de la création de la Galerie Météo en 1992 à la Direction du Département Art contemporain de la maison de ventes Cornette de Saint Cyr, en passant par le commissariat du Salon de Montrouge, entre 2009 et 2015.

 

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mercredi 9 décembre : Tristan Trémeau

AGENTS DOUBLES : ART, ARTISTES ET POLITIQUES URBAINES
« Dealings with artists, for instance, require great prudence; they are acquainted with all classes of society, and for that reason dangerous; they are hardly ever satisfied, and when you have too much to do with them, you are sure to have des ennuis  » — Roi Leopold 1er, lettre à la Reine Victoria, 10 octobre 1845.
À cette époque, les artistes modernes se reconnaissaient comme des « agents doubles » (Courbet), se déclarant parfois prêts au sacrifice révolutionnaire, épousant les revendications des classes populaires car proches de leurs conditions d’existence, tout en ayant pour clients la bourgeoisie, progressiste ou non.
Aujourd’hui, s’ils vivent toujours, en majorité, dans des conditions économiques et sociales précaires, proches de celles des classes populaires et des classes moyennes, les artistes contemporains, y compris ceux qui engagent leur travail sur des terrains politiques, ne semblent plus faire peur. Ainsi, selon Jean-Jacques Aillagon, ancien président du centre Georges Pompidou à Paris, ancien ministre français de la Culture et de la Communication et conseiller de François Pinault, « L’art est devenu, c’est l’un des grands effets de la démocratisation de la culture et de la sédimentation des actions publiques, un objet culturel qui participe singulièrement au développement de la société des loisirs dont il est parfois devenu un des pôles les plus attractifs ».
Comment comprendre cette évolution ? Le cours-conférence s’intéressera à des études de nouvelles formes d’action artistique dans l’espace public et les institutions artistiques (l’artiste comme médiateur) et à des études de cas de nouvelles manifestations initiées par les pouvoirs publics (Biennales, Nuits Blanches, Capitale Européenne de la Culture…) et de nouveaux établissements initiés par les élus et co-financés par le mécénat (maisons folies, projet de Tour Médicis en banlieue parisienne…). Une hypothèse sera centrale : les artistes, du fait de leur situation économique précaire, de leur « disponibilité contestaire » (Aillagon) et de leur capital symbolique reconnu par les élus et décideurs économiques, ne seraient-ils pas utilisés comme des agents doubles, pacificateurs sociaux, opérateurs de requalification et de gentrification des quartiers populaires, mais encore facteurs d’augmentation du capital touristique et marketing des villes ?
 
Tristan Trémeau est critique d’art, docteur en histoire de l’art et commissaire d’exposition. Professeur d’histoire et théorie des arts à l’École supérieure d’art de Tours (Epcc Esba TALM) et à l’Académie Royale des beaux-arts de Bruxelles (ARBA-ESA), il est aussi chargé de cours en histoire des expositions à l’Université Paris 1-Sorbonne, dans le cadre du Master 2 pro Sciences et Techniques de l’Exposition. Depuis 1994, il a publié de nombreux articles dans la presse artistique francophone : Ddo, Artpress et Art 21 en France, ETC et Esse art + opinion au Canada, L’art même et La Part de l’œil (Belgique). En 2011 a paru son premier livre, In art we trust. L’art au risque de son économie, aux éditions Al Dante/Aka (Marseille/Bruxelles). Il travaille actuellement sur un nouveau livre, à paraître en 2016 aux éditions Les prairies ordinaires (Paris) : Agents doubles. Art, artistes et politiques urbaines  sera consacré à une étude critique des usages de l’art et des artistes dans les politiques de redynamisation culturelle des villes et de requalification des quartiers populaires. Des archives de ses écrits sont consultables sur son blog :http://tristantremeau.blogspot.com.

 

Photo © Raphaël Schneider
Avec le concours de l’université Bordeaux Montaigne, pôle culture et vie étudiante.

Mercredi 18 novembre : Ramon Tio Bellido

Rétroactif vs rétrospectif, ou comment considérer l’art et son histoire aujourd’hui.

S’il est convenu de prendre acte que la création artistique fait l’objet d’une grande confusion aujourd’hui, tant dans son contexte que dans son évaluation, il est sans doute plus délicat sinon difficile d’analyser « objectivement » cette situation.
Paradoxalement, dans sa profusion débridée, une telle situation nous invite à « réactiver » notre propre appréhension de l’art et à reconsidérer son enregistrement selon des points de vue a priori plus subjectifs, plus « critiques ». Une entreprise qui prend en compte l’importance plus ou moins consciente de l’idée du « goût » dans notre relation à la création, dans l’élaboration de nos connaissances et de nos questionnements, peu ou prou laissés en suspens ou enregistrés de façon juste lapidaire.
Posée comme telle, cette analyse ne peut constituer un système, elle est par essence sujette à de nombreuses omissions et n’opère que lorsque la nécessité de réexaminer un événement s’impose.
Discuter et juger l’actualité ainsi vient corroborer la coupure épistémologique qui entérine sans discussion la fin d’une hégémonie culture occidentale de l’art, tout en réactivant (et non en « révisant »), quelles ont été les probabilités expressives mais incomplètes ou inexploitées que cette épopée démocratique a instauré.
L’intervention de Ramon Tio Bellido s’appuiera sur la rencontre de propositions qui englobent toutes sortes de manifestations aujourd’hui (citation, événement/spectacle, prépondérance du « féminisme », de « l’étrange », du « social », etc…).

Ramon Tio Bellido est historien de l’art, critique d’art et curateur indépendant.
Chargé de mission pour la politique internationale, puis inspecteur à la création à la DAP (1982/1990) ; directeur artistique de la FNAGP à l’Hôtel des Arts, Rue Berryer (1990 /1993) ; directeur de la MST métiers de l’exposition et de la Galerie Art et Essai à l’Université de Rennes 2, (1995/ 2002). Président de l’AICA France (1987/1996), puis Secrétaire Général de l’AICA Internationale (1997/2009).
Il est l’auteur, co-auteur et directeur de publication des ouvrages : L’Action artistique de la France dans le monde, (1998) ; Histoires de 50 ans de l’AICA, (2002) ;  Le XXe Siècle dans l’art algérien (2003) ; Le XXe Siècle dans l’art polonais, (2004) ; L’art et les expositions en Espagne pendant le franquisme (2005) ; De l’école d’art à l’engagement artistique, (2008) ; AICA in the Age of Globalism, (2009) ; L’art a toujours vingt ans, (2009) ; Art africain contemporain, regards critiques, (2011) ; Jacques Yves Bruel/Bruel l’Ancien, (2013).

Commissaire de nombreuses expositions, il a organisé depuis une dizaine d’années : Le XX° siècle dans l’art algérien, Château Borely, Marseille et Orangerie du Sénat, Paris (2003), El Arte como va, el arte como viene, Circulo de Belles Artes, Madrid (2004), No Borders Just NEWS, manifestation européenne présentée à Bruxelles, Dublin, Thessalonique, Cuenca (2008-2009), Paillettes, Prothèses, Poubelles, Sala San Miguel, Bancaja Castellon (2011), Jacques Yves Bruel, Espace IPN/TA, Toulouse (2013).

 

Avec le soutien du département Arts, section Arts plastiques, université Bordeaux Montaigne.

 

Mercredi 4 novembre : Robert Fleck

Robert Fleck est historien de l’art et professeur à la Kunstakademie de Düsseldorf, directeur de musée (Deichtorhallen Hamburg, Centre National d’Art et d’Expositions de la République Fédérale d’Allemagne, Bonn). Dernier ouvrage : Le système de l’art du XXIe siècle, Vienne 2013 et 2015, Buenos Aires et Madrid 2015.
Évoquant son expérience de directeur de musée et ses derniers ouvrages, il nous parlera du système de l’art au XXIe siècle, de l’évolution des relations entre artistes, musées, collectionneurs, marché, public, de la numérisation des ateliers : les grandes lignes d’une véritable révolution qui a lieu sous nos yeux.

 

En partenariat avec le Centre François-Georges Pariset, université Bordeaux Montaigne.

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2. Petit tas

L’objet petit a, qui fait ici l’objet d’un witz dont je me suis toujours demandé s’il était à l’origine du concept de Lacan, n’est objet qu’à comprendre dernier ce terme, comme Jacques-Alain Miller l’a rappelé, en fonction de la signification causale du préfixe ob, et non de sa signification, disons spatiale (« devant »). L’objet petit a n’est pas celui de la Sehnsucht romantique, cette quête tensive, mélancolique, d’un je-ne-sais-quoi qui serait placé devant, et inatteignable. C’est ce qui, en deçà du sujet, est la cause du désir.

Un de ces coq-à-l’âne auxquels on se livre en somnolant me fit un jour subitement passer du petit a au non a, celui de A.E. (Alfred Elton) Van Vogt, dont le livre The World of Null-A, datant de 1945, a été traduit en français en 1953 par Boris Vian sous le titre Le monde des Ā : où la liaison se prononce, comme dans « nul et non avenu ». Cette liaison a son importance puisque de non a je pensai tout aussi automatiquement à la nona ora, cette œuvre drôlatique de Maurizio Cattelan figurant le pape Jean-Paul II écrasé par une météorite, le titre italien faisant allusion à la neuvième heure où le Christ sur sa croix s’écrie d’une voix forte, selon Mathieu, « Eli Eli, lama sabachthani ? ».

Dans ce glissement sur la chaîne des signifiants, dois-je m’arrêter – comme on le dit d’un détail – à Van Vogt, ou  même à Cattelan ? Je remarque par exemple que Van Vogt s’inspire dans son livre de la sémantique générale d’Alfred Korzybski, dont, soit dit en passant, la phrase célèbre, « une carte n’est pas le territoire », a eu d’autres fortunes dans la littérature française et dont les travaux ont aussi eu quelque incidence sur l’histoire de l’art (Kenneth White sur Antonin Artaud). Je me borderai pour le moment à remarquer au sujet de cette association libre, du petit a au non a, qu’il y est question de sémantique, ce qui n’est sans doute pas un hasard.

Quant à Cattelan – pour lequel, au passage, j’avoue un certain faible –, la première chose qui me vient à l’esprit pour comprendre ce glissement du petit a à la nona, c’est que dans son œuvre, curieusement, il n’y a pas de sexe. Il y a de la jouissance, ô combien, mais pas de sexe. Ce qui, provisoirement, indique qu’il y aurait là une sublimation ou, plutôt, une Aufhebung, selon ce terme d’Hegel qui n’a pas de traduction française : une transmutation de la jouissance, débarrassée du fantasme et de la transgression de l’interdit : une jouissance positive.

– Je m’aperçois aussi, en écrivant ces lignes, que dans Cattelan, il y a Lacan.