Archives de catégorie : Invités du séminaire

Mercredi 18 novembre : Ramon Tio Bellido

Rétroactif vs rétrospectif, ou comment considérer l’art et son histoire aujourd’hui.

S’il est convenu de prendre acte que la création artistique fait l’objet d’une grande confusion aujourd’hui, tant dans son contexte que dans son évaluation, il est sans doute plus délicat sinon difficile d’analyser « objectivement » cette situation.
Paradoxalement, dans sa profusion débridée, une telle situation nous invite à « réactiver » notre propre appréhension de l’art et à reconsidérer son enregistrement selon des points de vue a priori plus subjectifs, plus « critiques ». Une entreprise qui prend en compte l’importance plus ou moins consciente de l’idée du « goût » dans notre relation à la création, dans l’élaboration de nos connaissances et de nos questionnements, peu ou prou laissés en suspens ou enregistrés de façon juste lapidaire.
Posée comme telle, cette analyse ne peut constituer un système, elle est par essence sujette à de nombreuses omissions et n’opère que lorsque la nécessité de réexaminer un événement s’impose.
Discuter et juger l’actualité ainsi vient corroborer la coupure épistémologique qui entérine sans discussion la fin d’une hégémonie culture occidentale de l’art, tout en réactivant (et non en « révisant »), quelles ont été les probabilités expressives mais incomplètes ou inexploitées que cette épopée démocratique a instauré.
L’intervention de Ramon Tio Bellido s’appuiera sur la rencontre de propositions qui englobent toutes sortes de manifestations aujourd’hui (citation, événement/spectacle, prépondérance du « féminisme », de « l’étrange », du « social », etc…).

Ramon Tio Bellido est historien de l’art, critique d’art et curateur indépendant.
Chargé de mission pour la politique internationale, puis inspecteur à la création à la DAP (1982/1990) ; directeur artistique de la FNAGP à l’Hôtel des Arts, Rue Berryer (1990 /1993) ; directeur de la MST métiers de l’exposition et de la Galerie Art et Essai à l’Université de Rennes 2, (1995/ 2002). Président de l’AICA France (1987/1996), puis Secrétaire Général de l’AICA Internationale (1997/2009).
Il est l’auteur, co-auteur et directeur de publication des ouvrages : L’Action artistique de la France dans le monde, (1998) ; Histoires de 50 ans de l’AICA, (2002) ;  Le XXe Siècle dans l’art algérien (2003) ; Le XXe Siècle dans l’art polonais, (2004) ; L’art et les expositions en Espagne pendant le franquisme (2005) ; De l’école d’art à l’engagement artistique, (2008) ; AICA in the Age of Globalism, (2009) ; L’art a toujours vingt ans, (2009) ; Art africain contemporain, regards critiques, (2011) ; Jacques Yves Bruel/Bruel l’Ancien, (2013).

Commissaire de nombreuses expositions, il a organisé depuis une dizaine d’années : Le XX° siècle dans l’art algérien, Château Borely, Marseille et Orangerie du Sénat, Paris (2003), El Arte como va, el arte como viene, Circulo de Belles Artes, Madrid (2004), No Borders Just NEWS, manifestation européenne présentée à Bruxelles, Dublin, Thessalonique, Cuenca (2008-2009), Paillettes, Prothèses, Poubelles, Sala San Miguel, Bancaja Castellon (2011), Jacques Yves Bruel, Espace IPN/TA, Toulouse (2013).

 

Avec le soutien du département Arts, section Arts plastiques, université Bordeaux Montaigne.

 

Mercredi 4 novembre : Robert Fleck

Robert Fleck est historien de l’art et professeur à la Kunstakademie de Düsseldorf, directeur de musée (Deichtorhallen Hamburg, Centre National d’Art et d’Expositions de la République Fédérale d’Allemagne, Bonn). Dernier ouvrage : Le système de l’art du XXIe siècle, Vienne 2013 et 2015, Buenos Aires et Madrid 2015.
Évoquant son expérience de directeur de musée et ses derniers ouvrages, il nous parlera du système de l’art au XXIe siècle, de l’évolution des relations entre artistes, musées, collectionneurs, marché, public, de la numérisation des ateliers : les grandes lignes d’une véritable révolution qui a lieu sous nos yeux.

 

En partenariat avec le Centre François-Georges Pariset, université Bordeaux Montaigne.

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Mercredi 7 octobre : Matthieu Laurette

 

Né en 1970 à Villeneuve Saint Georges, Mathieu Laurette,  participe en 1993 au jeu télévisé Tournez manège sur TF1 où, interrogé par la présentatrice, il s’auto-déclare « artiste multimédia ». Ses œuvres problématisent la participation de l’individu à l’espace public, artistique et médiatique et explorent les relations entre l’art conceptuel, le pop art, la critique institutionnelle, la notion de Spectacle et de célébrité au sein de l’économie et de la société contemporaine, des médias et des mondes de l’art.

Ses oeuvres ont été montrées dans des lieux tels que le Musée Solomon R. Guggenheim, New York (1998); l’ICA, Londres (1999 et 2003);  la 49e Biennale de Venise (2001); le Castello di Rivoli, Turin (2001); les Deichtorhallen, Hambourg (2002); l’Artsonje Center, Séoul (2002); le Palais de Tokyo, Paris (2003 et 2006); la Biennale de Pontevedra (2004); le P.S. 1 Contemporary Art Center / MoMA, NY (2005); Stedelijk Museum, Amsterdam (2005); la Galerie Yvon Lambert, Paris/New York(2004, 2005 et 2006); Kunsthalle & Kunstforum, Vienne (2005);  le Museum of Contemporary Art, Sydney (2006); le MNAM-Centre Pompidou, Paris, (1997, 2000, 2004, 2007 et 2009); LACE, Los Angeles, (2010); le Tri Postal, Lille (2011); La Central, Bogotá (2011);  la galerie Gaudel de Stampa, Paris (2008, 2010 et 2012); Z33, Hasselt (2012); Mac/Val – Musée d’art contemporain du Val de Marne, Vitry-sur Seine (2012, 2015); Museo La Tertulia, Cali (2013), Parallel, Oaxaca (2014), au Van Abbemuseum à Eindhoven (2015). En 2003 le Prix Fondation d’entreprise Ricard lui a été décerné.

Dans son intervention Matthieu Laurette, reviendra sur sa première visite au CAPC lors de l’exposition « ART CONCEPTUEL 1 » en 1988 qu’il considère comme un événement fondateur et sur ses deux expositions « Efficace et Commode, Propositions 99 pour la Collection » en 1999 et « La vie, au fond, se rit du vrai » (2002) au CAPC. Il présentera également certains projets récents tels que «  THINGS (Purchased with Funds Provided by) » (2010-2020), ou «  TROPICALIZE ME! »  (2010 / en cours) ainsi que sa nouvelle publication, un livre d’artiste intitulé « Random (Demix) » publié dans la collection « L’art en écrit «  aux éditions Jannink qui sort en cette rentrée.

www.laurette.net

 

 

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Calendrier 2015-2016

Le séminaire se déroule le mercredi de 16h à 18h au Capc de Bordeaux, salle des communications.

1er semestre (septembre-décembre)
Chaque semaine à partir du 16 septembre

Dans son séminaire, Richard Leeman traitera cette année d’un « petit tas » objet théorique et métaphorique, avec en ligne de mire des questions relatives au dessin, à l’écriture.

Comme chaque année, le séminaire invitera en 2015-2016 des artistes, des critiques, des historiens de l’art à nous parler de leur actualité.

Programme des invitations :

Mercredi 23 septembre
Philippe Fangeaux

A l’occasion de son exposition « Demain les chiens » à la galerie Éponyme à Bordeaux, le peintre Philippe Fangeaux nous parlera de son travail.

Philippe Fangeaux est né en 1963, il vit et travaille à Marseille  Il a été pensionnaire de la Villa Medicis en 1998 . Il participe régulièrement à des expositions personnelles ou collectives. Il est également enseignant à l’école supérieure d’art des Pyrénées .
Les participants au séminaire sont ensuite invité à la preview de l’exposition, dont le vernissage aura lieu le jeudi 24 septembre.

Mercredi 7 octobre
Matthieu Laurette

L’artiste Matthieu Laurette use dans son oeuvre de multiples médias, y compris des « Apparitions » à la télévision, dans des stratégies explorant les relations entre l’art conceptuel, le Pop Art, la critique institutionnelle, l’économie et la société contemporaine.

Mercredi 4 novembre
Robert Fleck

Robert Fleck est historien de l’art et professeur à la Kunstakademie de Düsseldorf. Évoquant son expérience de directeur de musée et ses derniers ouvrages, il nous parlera du système de l’art au XXIe siècle, de l’évolution des relations entre artistes, musées, collectionneurs, marché, public, de la numérisation des ateliers : les grandes lignes d’une véritable révolution qui a lieu sous nos yeux.

Mercredi 18 novembre
Ramon Tio-Bellido

Critique d’art, Ramon Tio-Bellido nous parlera notamment de sa distinction entre une histoire « rétrospective » et une histoire « rétroactive », la première d’inspiration moderniste et progressiste, et la seconde, signe des temps postmodernes et de la mondialisation qui a suivi.

Mercredi 9 décembre
Tristan Trémeau

Tristan Trémeau est critique d’art, docteur en histoire de l’art et commissaire d’exposition. Professeur d’histoire et théorie des arts à l’École supérieure d’art de Tours (Epcc Esba TALM) et à l’Académie Royale des beaux-arts de Bruxelles, il est aussi chargé de cours en histoire des expositions à l’Université Paris 1-Sorbonne, dans le cadre du Master 2 pro Sciences et Techniques de l’Exposition. Depuis 1994, il a publié de nombreux articles dans la presse artistique francophone : DdoArtpress et Art 21 en France, ETC et Esse art + opinion au Canada, L’art même et La Part de l’œil (Belgique). En 2011 a paru son premier livre, In art we trust. L’art au risque de son économie, aux éditions Al Dante/Aka (Marseille/Bruxelles). Il travaille actuellement sur deux nouveaux livres, à paraître en 2015 et en 2016 aux éditions Les prairies ordinaires (Paris). Le premier (Agents doubles) sera consacré à une étude critique des usages de l’art et des artistes dans les politiques de redynamisation culturelle des villes et de requalification des quartiers populaires. Le second sera une tentative d’écriture d’une histoire de l’art des  50 dernières années. Des archives de ses écrits sont consultables sur son blog : http://tristantremeau.blogspot.com.

 

2nd semestre (janvier-avril) : une séance par mois.
Programme des invitations : 

Mercredi 20 Janvier
Stéphane Corréard

Stéphane Corréard est critique d’art, collectionneur, commissaire d’exposition, directeur du Département art contemporain de l’Étude Cornette de Saint Cyr. Il a été le commissaire artistique du Salon de Montrouge de 2009 à 2015.

Mercredi 17 février
Pierre Ménigault

Pierre Ménigault évoquera avec nous la musique des années 1980 à travers son expérience de DJ au célèbre Rachdingue, discothèque à Vilajuïga en Catalogne, parrainée à son ouverture en 1968 par Salvador Dali.
En 1999 il commence à produire du son sous MAO. Sa rencontre en 2000 avec Manu Grillet aboutit à la formation du groupe M.A.D.S 33 avec à la clé un CD 5 titres electro en 2001 (33 in cheese 1/3), année où il sort en solo sous le pseudo TurboPII l’album Bass is instinct. En 2009 il travaille avec Barn Balta et le duo de Iflodge avec qui il enregistre Complex Scale. On peut également écouter sur myspace le CD 5 titres solo PHASES (2009) qu’il a enregistré sous le pseudo The M_Of_So.

Mercredi 16 mars
Renaud Subra

Renaud Subra collabore avec Chloé Royac depuis 2005 sous le pseudonyme CRYRS. Ensemble, ils compilent textes, photo et vidéos numériques pour créer des pièces polymorphes desquelles se dégagent une gêne plastique et un sentiment d’absurde. Les codes usuels de la représentation et du divertissement en général sont ainsi mis l’épreuve de notre interprétation (Raisons suffisantes). L’animal devient une figure maîtresse à partir de 2009 et est utilisée comme semence sémantique et plastique (Ecce homo).
En 2013, Renaud Subra, sous le pseudonyme D. H. Arbus, entame isolément un travail de  « centaurisation », également le sujet de sa thèse, qu’il a commencée en 2012 sous la direction de Richard Leeman au sein de l’équipe ARTES (Unité CLARE, université Bordeaux Montaigne). Le pari de « L’art et la vie confondus » est réactivé dans un champ actuel par cette impossible métamorphose homme-animal. Il bannit alors l’idée même de représentation devenant alors un artiste sans œuvres qui favorise l’expérience et son partage à l’aboutissement plastique de son travail.

Mercredi 13 avril
Franck Ancel

Franck Ancel explore, entre autre, la numérisation avec des créations post-scénographiques, autour d’un Global Poétique Système. Il interpelle tant le visiteur que le spectateur, par un prisme créatif, hors des frontières, en projetant via des écrans, une mise en réseau de données post-médiatiques. Cet horizon trace une ligne de crête depuis les avant-gardes artistiques du siècle dernier jusqu’aux récentes mutations de la création contemporaine à l’échelle planétaire. Sa coordination de la rétrospective du scénographe Jacques Polieri à la Bibliothèque nationale de France, puis à Berlin, ses multiples communications ou divers commissariats, naviguent entre théorie et pratique, du champ culturel à l’art d’aujourd’hui. Sa vision respire ainsi une intacte jeunesse, en face de l’authenticité de certains êtres et espaces, toujours en mouvement. Certaines de ses œuvres font partie de collections privées. Il produit également des multiples en édition limitée à 27 exemplaires.

Mercredi 23 septembre : Philippe Fangeaux

A l’occasion de son exposition « Demain les chiens » à la galerie Éponyme, le peintre Philippe Fangeaux est l’invité du Séminaire le 25 septembre.
Philippe Fangeaux est né en 1963, il vit et travaille à Marseille  Il a été pensionnaire de la Villa Medicis en 1998 . Il participe régulièrement à des expositions personnelles ou collectives. Il est également enseignant à l’école supérieure d’art des Pyrénées .
Les participants au séminaire sont ensuite invité à la preview de l’exposition, dont le vernissage aura lieu le jeudi 24 septembre.

http://www.documentsdartistes.org/artistes/fangeaux/page1.html

http://www.eponymegalerie.com/philippe-fangeaux-demain-les-chiens/

Mercredi 13 mai : Valérie Jouve

Photographe et cinéaste, Valérie Jouve nous parlera de son travail commencé en 89. Ce travail se développe aujourd’hui en partie en Palestine. Comment la photographie, peut-elle prendre part au réel, donc au politique, cet espace qui fonde le groupe. Et comment l’image a-t-elle encore aujourd’hui, une capacité à la construction d’imaginaires résistants et utopistes. Elle évoquera notamment le projet montré au Mac/Val l’année dernière (14 juin 2014 – 4 janvier 2015) et son exposition au Jeu de Paume du 2 juin au 17 septembre prochains.
Voir http://www.valeriejouve.com/

 

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Mercredi 15 avril : Alban Denuit

Né en 1983, Alban Denuit est artiste. Diplômé de l’École nationale supérieure des Beaux Arts de Paris en 2009, il achève une thèse en arts plastiques à l’université Bordeaux Montaigne. Son oeuvre sculpturale questionne les normes qui règlent les dimensions et les formats des objets les plus divers du quotidien, des normes souvent invisibles mais structurant les objets aussi bien que notre cadre de vie et que le travail d’Alban Denuit dévoile.
Le séminaire sera aussi l’occasion d’évoquer avec lui les œuvres récentes présentées lors de la dernière exposition collective de la galerie Eponyme.

 

mercredi 18 février : Yann Sérandour

Né en 1974, Yann Sérandour reviendra sur l’ensemble de son travail initié au début des années 2000 dans son rapport à quelques récits historiques. De l’art conceptuel à la culture domestique des cactées, il interroge, à travers une œuvre de relecture, les mécanismes de transmission et de fétichisation de leurs objets à travers le temps.
Privilégiant le texte, le livre ou l’imprimé, il a également publié de nombreuses publications d’artistes dont Inside the White Cube. Édition palimpseste (JRP Ringier, Zürich, 2009) et vient d’éditer avec Sébastien Pluot l’ouvrage collectif Une traduction d’une langue en une autre consacré aux phénomènes de traductibilité dans l’art (Presses du réel, Dijon, 2014).
Titulaire d’un doctorat en arts plastiques, il est également enseignant-chercheur à l’université Rennes 2. Son travail est représenté par la galerie gb agency, Paris.

Mercredi 21 janvier : Elvan Zabunyan

En s’appuyant sur une actualité de la recherche et sur des exemples d’expositions récentes, il s’agira de considérer la façon dont la question postcoloniale éclaire aujourd’hui les propositions visuelles et théoriques produites par les artistes et intellectuel(le)s issu(e)s de ce que l’on nomme la diaspora noire en permettant de relire la période coloniale par une réécriture de l’histoire de l’art contemporain.

Elvan Zabunyan est professeur d’histoire de l’art contemporain à l’Université Rennes 2 et critique d’art. Ses recherches portent sur l’art nord-américain depuis les années 1960 et notamment le tournant 1970 autour des questions raciales et féministes. Elle travaille depuis le début des années 1990 sur les problématiques issues des cultural studies, des théories postcoloniales et des études de genre en cherchant à construire, grâce à ces pensées critiques, une méthodologie de l’histoire de l’art contemporain articulée autour d’une histoire culturelle, sociale et politique. Elle a publié Black is a color, une histoire de l’art africain américain (Dis Voir, 2004 et 2005 pour la version anglaise), co-dirigé plusieurs livres et a écrit de nombreux articles dans des ouvrages collectifs, des catalogues d’exposition et des périodiques. Son dernier ouvrage est consacré à l’artiste coréenne-américaine Theresa Hak Kyung Cha (Presses du réel, Dijon, 2013).

Mercredi 17 décembre : Régis Michel

DE L’ARTISTE À L’ACTIVISTE

L’art, écrit Zmijewski, n’est plus aujourd’hui qu’un exercice d’impuissance, entre la mode et le spectacle. Ce n’est pas seulement qu’il est cannibalisé par le marché ou par les institutions, ce qui revient (presque) au même. C’est aussi qu’il n’a plus rien à dire, et pire encore, plus rien à faire, dans l’univers douteux du business culturel. Il est urgent que l’artiste se change en activiste aux prises avec le biopouvoir. Depuis Foucault, l’inventeur du concept, le pouvoir de l’État sur la vie a pris des formes nouvelles. Nous sommes passés de la société disciplinaire à la société de contrôle qu’évoquait Deleuze, où la surveillance devient virtuelle, c’est-à-dire exponentielle : voici le temps du cyberpanopticon.  Jamais sans doute la démocratie ne fut plus régressive – et la vie plus nue, au sens de Benjaminc’est-à-dire privée de tout – dans ce retour des camps, fussent-ils électroniques,qui est, note Agamben, le paradigme de nos errements. On étudiera, sans restriction de médium, ce que devient, films à l’appui, la production des images (et autres) dans cette régression biopolitique, et quelles sont les stratégies de résistance que lui opposent les artistes/activistes, entre sabotage et court-circuit, comme dit encore Deleuze, pour rompre avec la loi du marché, la dérive des institutions, la faillite de la critique et l’indifférence du public.

Régis Michel est conservateur en chef au Musée du Louvre, chercheur associé à l’INHA, professeur invité à l’université de Suisse italienne (USI). Il est l’auteur de nombreux travaux (essais, colloques et catalogues) sur les origines de la modernité, de David à Géricault via la Révolution, et sur l’anthropologie critique de l’art occidental, à la faveur d’expositions comme Posséder et détruire (sur la sexualité) ouLa peinture comme crime (sur la rationalité). Sa réflexion s’est portée depuis sur la crise du contemporain, dont témoigne l’exposition qu’il a consacrée à l’art vidéo (L’œil-écran. Cent vidéos pour repenser le monde), qui reste, sauf erreur, la plus vaste à ce jour, et sur les arts du corps dans le théâtre expérimental, lequel réinvente, à l’Est de l’Europe, la pratique subversive de la performance.

 

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