Tintin au Congo

Je retrouve quelques notes que m’avait inspiré (c’est beaucoup dire) le passage de « JR » en 2013 chez Bernard Magrez (ces deux noms dans la même phrase, c’est aussi déjà beaucoup dire).

JR fait partie de ces artistes trentenaires qui ont tout compris à la meilleure manière de faire carrière. Très looké, le petit chapeau qui va bien, les lunettes de soleil (pour pas qu’on le reconnaisse, dit-il, parce que le street art c’est interdit n’est-ce pas) très disert, voire intarissable, surtout à son sujet, et surtout, immensément satisfait. Un bon client pour le maître de ces lieux, le « compositeur d’excellence » (à écrire en police Vivaldi ou tout autre du même mauvais goût) qui a fait fortune, soit-dit en passant, en distribuant du prêt à saouler dans les supermarchés – Sidi Brahim, Porto Pitters, whisky William Peel et pinard Malesan –, et dont l’appétence remarquée pour ledit « street art » culmine avec l’exposition des croûtes sur toile du dernier (espérons-le) Jon One en 2015.

Alors, JR. Pour la forme : académique ; des collages urbains de photos immenses, de temps à autre agrémentées (c’est le cas dans son truc à Cuba, présenté chez Magrez) de graffitis abstraits élégants et décoratifs, sans rapport avec l’image. Son sujet : les gens, les « habitants », des pauvres de préférence, pourvu qu’ils aient des rides, du vécu, quoi. Un art opportuniste surfant sans effet sur les lieux communs les plus accessibles au plus grand nombre. Avant la discussion, d’où je me suis enfui au bout de cinq minutes, épouvanté par la médiocrité du truc, un documentaire sur son projet de Cuba, que le JR regarde, comme dans un miroir : béat devant lui-même. Un moment très drôle, même si je suis le seul apparemment à m’esclaffer : il interroge les gens « de la rue », ils se méfient, ne veulent pas participer de prime abord à son projet, surtout si c’est politique ; il les rassure : non non, c’est de l’art, c’est pour la Biennale. « Ah ! bon c’est pour la Biennale, donc ça va c’est sans danger, ça va ». Voilà JR : ça va, c’est sans danger. JR c’est comme les « Nouveaux explorateurs » de Canal + ou Rendez-vous en terre inconnu de Lopez. C’est Tintin au Congo.

Pour les portraits d’anonymes en milieu urbain, on renverra les amateurs d’art à Casual Passer-by de Braco Dimitrijevic en 1971, ou au Témoins de Jochen Gerz à Cahors en 1998, entre autres.

Twombly, encore

[…] Les grands tracés cycloïdaux qui forment la plus grande part de l’œuvre Cy Twombly entre 1967 et 1972 en sont la plus parfaite démonstration. Alors même que, comme je l’écrivais dans mon livre sur l’artiste, le tracé peut se lire en suivant le parcours de la ligne, je ne voyais littéralement pas ce que cette ligne dessine en creux : le vide autour duquel se déroulent ces spirales. Je ne connaissais pas, alors, le travail de Lacan sur le tore dans son séminaire sur l’identification (1961-1962). Car, pour en revenir et ne s’en tenir qu’à mon sujet, c’est dans ce séminaire que Lacan élabore grâce à la topologie une formalisation, une « symbolisation remplaçable par n’importe qui d’autre », de quelque chose qui a un rapport avec la fonction du désir et le petit(a), là, précisément, dans le jeu de ces cercles autour du vide du tore et de celui que celui-ci définit : alors même que je saisissais – c’est tout le sens de mon livre – quelque chose du manque fondamental à tout être, dont toute l’œuvre de Twombly est une expression, je ne voyais que la ligne en sa course et non le vide autour duquel elle s’enroule – quand le sage montre la lune, l’imbécile regarde le doigt.

Mercredi 13 septembre : Arnaud Labelle-Rojoux

Le Séminaire sur l’art d’aujourd’hui invite l’artiste Arnaud Labelle-Rojoux à l’occasion de l’exposition « Badaaaass » dont il est le commissaire à la galerie La mauvaise réputation (15 septembre-14 octobre, vernissage jeudi 14 octobre à 19h).

« Comme Paul McCarthy (né en 1945) ou Mike Kelley (1954-2012), dont il est l’un des seuls équivalents européens, Arnaud Labelle-Rojoux a fait ses débuts dans les marges plus ou moins underground de la performance et de la poésie sonore. [… ] En 1988, un an avant le Lipstick Traces de Greil Marcus, Labelle-Rojoux publie de son côté L’acte pour l’art […] Au prix d’une exploration méthodique, critique et historique dans laquelle l’introspection tient une grande part souterraine, il élabore là un manifeste de la « mise en péril » systématique. Mais c’est avec L’art parodic’ (paru en 1996) qu’il trouve le véritable mystère de son art : « que refoulent les grands airs confits pris par le “ grand Art ”, “ grande Littérature  ”,  la «  » ou la “ grande musique”, ou plutôt, que libère ou provoque le défoulé lorsqu’il s’opère à partir de l’une ou l’autre de ces sacro-saintes catégories ? ». Dès cette année-là, Arnaud Labelle-Rojoux s’empare des deux formes esthétiques qu’il développe depuis. La première, issue du cabaret, se situe du côté de « l’ésotérique troupier », et culmine avec les mythiques « Nonose clubs » au Palais de Tokyo (2002), « très prostitutifs et volontairement insaisissables ». La seconde, avatar de l’exposition « totale » climax des avant-gardes, vient également de l’univers du théâtre ; il s’agit d’un dispositif frontal qui se présente comme un « mur d’art », parent du « mur du son » inventé par l’un de ses héros, le producteur Pop Phil Spector. Saturant la cimaise, provoquant des rapprochements incongrus et/ou trop pleins de sens, l’accrochage hyper-serré, […] est la soupe primitive du big bang intellectuel que Labelle-Rojoux cherche à initier chez le regardeur. Les à-peu-près langagiers et visuels, les références absconses ou intimes, les télescopages spatio-temporels, les superpositions de couches culturelles totalement hétérogènes, découragent toute tentative de compréhension. […] Chercher à en épuiser le sens étant particulièrement vain, il faut accepter de s’y égarer pour en expérimenter toute la portée. » (Stéphane Corréard)

Représenté par la Galerie Loevenbruck à Paris, Arnaud Labelle-Rojoux y expose régulièrement depuis 2003. Il a, par ailleurs, entre autres participé aux expositions Notre Histoire, Palais de Tokyo, 2006 ; La Force de l’art 02 (en compagnie de Xavier Boussiron avec lequel il poursuit depuis 2005 un projet sans limites de temps autour de la « passion triste »), Grand Palais, Paris, 2009 ; Une forme pour toute action, Le Printemps de septembre, Toulouse, 2010 ; Les Maîtres du désordre, Musée du quai Branly, 2012 ; Le Surréalisme et l’objet, Centre Georges Pompidou, 2013.

Auteur, il a depuis L’Acte pour l’art (1988) publié une dizaine d’essais, essentiellement sur l’art, et collabore occasionnellement à l’écriture de spectacles pour la Compagnie du Zerep. Il organise également des événements réclamant la participation d’artistes divers et des expositions.  Ainsi il présente en septembre 2017 à Bordeaux, à la galerie La Mauvaise Réputation, l’exposition Badaaaass regroupant 4 jeunes artistes issus de la Villa Arson où il a enseigné durant dix ans, et réalisera une conférence-performance avec Gauthier Tassart s’inscrivant dans le cycle du Culte des bannis initié en 2015 à la Fiac.

Mercredi 13 septembre, 17h00, capc, salle des communications.

En partenariat avec la galerie La mauvaise réputation, 10 rue des Argentiers, Bordeaux.

 

 

 

 

Mercredi 25 janvier : Marie-Laure Allain Bonilla

Visualiser la théorie : Usages des théories postcoloniales dans les pratiques curatoriales de l’art contemporain depuis les années 1980 (Rennes 2, 2014) est une réflexion historicisée sur l’articulation entre les théories postcoloniales et les pratiques curatoriales de l’art contemporain. Elle souligne les perméabilités et la relation dialogique qui se sont instaurées entre celles-ci. Il ne s’agit pas d’expliquer les théories postcoloniales appliquées aux pratiques curatoriales et d’en donner une sorte de mode d’emploi, mais plutôt de les visualiser, c’est-à-dire de donner à voir les différents développements et incarnations de celles-ci. Au-delà d’une simple présentation de ce travail de recherche doctoral, il s’agira également de revenir sur un parcours de recherche et de montrer comment celui-ci s’est construit en inventant une méthodologie propre.

Formée en études curatoriales, Marie-laure Allain Bonilla est docteure en histoire de l’art contemporain. Elle est post-doctorante à l’Université de Bâle depuis janvier 2016. Ses recherches actuelles portent sur les politiques d’acquisition muséales à l’ère de la globalisation et les possibilités de décoloniser les pratiques institutionnelles. Un autre de ses chantiers concerne la biennale de Johannesburg sur laquelle elle travaille depuis plus de dix années et dont elle a le projet d’établir une monographie en collaboration avec Natasha Becker. Elle a contribué à des ouvrages collectifs et notamment publié dans les Carnets du BAL, L’Art Même, Qalqalah, Africultures, Critique d’art ou Muséologies (à venir). Elle travaille actuellement à la publication du manuscrit de sa thèse de doctorat ainsi qu’à celle des actes du colloque Subjectivités féministes, queer et postcoloniales en art contemporain : une histoire en mouvements, qu’elle a co-organisé en avril 2015 à l’Université Rennes 2.

capc, salle de communication, 17h

En partenariat avec le Centre François-Georges Pariset, université Bordeaux Montaigne.

 

 

 

Visuel : vue de l’installation de Rasheed Araeen, The Reading Room, 1979-2011 pour l’exposition The Global Contemporary: Art Worlds After 1989 (ZKM, Karlsruhe, 2011). Droits réservés.

 

 

Mercredi 14 décembre : Blandine Chavanne

 

Conservatrice générale du patrimoine, Blandine Chavanne a été conservatrice aux musées de la ville de Poitiers, conseillère pour les musées à la Direction régionale des affaires culturelles de Bourgogne, conservatrice chargée de l’art contemporain à l’Inspection générale des musées de France, directrice du musée des beaux-arts de Nancy et directrice du musée des beaux-arts de Nantes (2006-2015). Depuis octobre 2015, elle a rejoint le Service des musées de France au ministère de la Culture, en tant que sous-directrice de la politique des musées.

Elle reviendra en particulier sur les expositions d’art contemporain qu’elle a organisées durant sa carrière, entre autres : Olivier Mosset, 65-85 (1985) –  Raymond Hains (1989) –  Claude Rutault (1990) – Anish Kapoor, Svayambh (2007) – « Regarde de tous tes yeux, regarde » – l’art contemporain de Georges Perec (2008)– Wifredo Lam (2010) –– Inquiétantes étrangetés (2011)– ADIAF, De leur temps (4) (2013) – Fernand Léger, reconstruire le réel (2014) – Présenter l’irreprésentable, Alain Fleischer, Jean-Jacques Lebel, Danielle Schirman (2014), Claude Viallat, Voiles, cordes, filets, parasols,…(2015).

Plus particulièrement, elle évoquera au cours du séminaire la question très actuelle des artistes commissaires d’expositions (« artist as curator »).

 

Avec le concours du pôle culture et vie étudiante de l’université Bordeaux Montaigne

mercredi 7 décembre : François Trahais

Depuis la fin des années soixante, l’art conceptuel et les nouvelles modalités d’existence de l’œuvre qu’il implique remettent en question les critères traditionnels d’authenticité. La reproductibilité mais surtout la dématérialisation de l’œuvre envisagent la disparition de l’objet au profit d’une valorisation de l’idée et de l’action. Dès lors, comment collectionner l’art contemporain sinon comme une pratique libérée du fétichisme des objets d’art ? En s’associant aux artistes issus du conceptualisme, un nouveau profil de collectionneur émerge au cours des années 1970. C’est en s’impliquant directement dans les processus de création que les mécènes de l’art conceptuel invitent à repenser le mythe de l’artiste solitaire et la question du génie artistique.

Né en 1978, François Trahais débute ses études au sein de la Villa Arson avant de se spécialiser en histoire de l’art contemporain et en droit de la propriété intellectuelle au sein des universités de Bordeaux. Il mène actuellement une thèse en histoire de l’art contemporain au sein de l’École Doctorale Montaigne Humanités sous la direction de Richard Leeman. Membre du comité de rédaction des Essais (revue interdisciplinaire en sciences humaines) depuis 2011, il est également rédacteur indépendant (revue Critique d’Art, Documents d’Artistes Aquitaine, La Belle Revue) et traducteur (Art and Language, made in Zurich, Éditions Bernard Jordan, 2014).

Illus. : Allan McCollum (1944 – ) Plaster Surrogates (Substituts en plâtre),1985, 20 éléments en céramique à froid sur plâtre, 128,5 x 203 cm, Centre Pompidou, MNAM, Paris.

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Mercredi 23 novembre : Emmanuel Reveneau – The Lucid brain integrative project

Emmanuel Reveneau : The Lucid brain integrative project

Attention : exceptionnellement, le séminaire se déroulera
le 23 novembre dans l’auditorium du capc de 17h à 18h30.
Il sera suivi d’un concert d’une demi-heure, à partir de 18h30.

Pratique sonore dédiée à la rétroaction, le live looping accompagne à la marge depuis son invention en 1963 par le compositeur américain Terry Riley le développement du paradigme cybernétique. En incarnant une version originale du dialogue homme-machine, les adeptes du live looping ont exploré une approche électroacoustique et expérientielle alternative. Répétition, générativité, temps réel, composition, orchestration et improvisation, manipulations sonores, interfaces.

Après la création d’installations multimodales articulant le live looping à une réflexivité générale (2001-2010), The Lucid brain est devenu le terrain d’essai d’un logiciel visant à radicaliser certains principes : neutralité ingénieriale, logiques idiosynchrasiques, « double » machinique, routing matriciel. Vers une reconvergence des outils de composition sonore : looping, sampling, tape music, sequencing, triggering, mix, synthèse granulaire.

Né en 1970, Emmanuel Reveneau poursuit depuis les années 1990 ses activités sonores et vidéographiques à travers le spectacle vivant. Il produit depuis 2013 le Loop Jubilee, déclinaison française du Y2K International Live Looping Festival, et tourne fréquemment en Europe et aux Etats-Unis.

Voir :

https://www.youtube.com/user/TheLucidbrain

https://www.facebook.com/TheLucidBrain/

Duo avec Laurie Amat (ex-The Residents) : https://shoresoflatency.bandcamp.com/

Mercredi 9 novembre : Ludovic Nobileau

Que peut-on faire dans l’espace public. Conférence active

« Chaque année, plus de 4 kg de lois sont rédigées sans que personne puisse prétendre les avoir lues »

Que peut-on faire dans l’espace public ? Force est de constater que nous ne savons pas vraiment, bien que nous soyons souvent rappelés à l’ordre sur ce que nous n’avons pas le droit de faire. Puisque « nul n’est censé ignorer la loi », nous sommes tous dans l’illégalité… Le Code de la déconduite, véritable guide du citoyen, explore avec les habitants les limites du droit, et entreprend des actions “border line” pour que nous prenions conscience que le droit est une construction humaine qui n’est pas figée, qui doit être éprouvée, questionnée ; plus encore, il est de notre responsabilité de le faire évoluer, progresser, pour préserver les libertés et construire une société plus inclusive. Pour le réaliser, X/tnt mène une série d’expériences avec des citoyens de plusieurs villes d’Europe, en collaboration avec des Universités, notamment avec des Facultés de Droit et des Ecoles d’Art. X/tnt souhaite passer avec ce projet à une action culturelle politique et éprouver les limites de la loi dans l’espace public. En effet, le domaine public est quasi exclusivement régi par des mesures de sécurité, au lieu d’être considéré comme un espace de vie et d’échanges en commun.

 

Ludovic Nobileau est metteur en scène, acteur et réalisateur.  Il co-dirige la compagnie X/tnt spécialisée dans des actions participatives de rue qui revendiquent une réappropriation de l’espace public et une réinvention de la ville. Après des études de cinéma et de lettres modernes, il monte des œuvres théâtrales classiques (Lorenzaccio, En attendant Godot) avant de se tourner vers un théâtre de l’immédiateté dans les rues de Paris où il monte une histoire athlétique et fragmentée du théâtre au rythme de trois pièces par an. Admis à l’Institut nomade de formation à la mise en scène au Conservatoire supérieur national d’art dramatique (Paris), il a travaillé auprès de Bob Wilson (Etats-Unis) et de Kristian Lupa (Pologne).
Les actions participatives d’X/tnt ont également été montées au Grand Palais, au Toynbee Studio à Londres, à la Ferme du Buisson, au Festival les Tombées de la nuit (Rennes), au Festival de la Cité Lausanne, à la Zat (Montpelliers), au Festival Vivacité Rouen, au NNF Festival UK, et tout dernièrement,  pour « Mons capitale Européenne de la Culture en 2015 » où la compagnie a créé un des plus grands projets collaboratifs de Mons 2015 : Mons Street Review, une carte collaborative de Mons à 360° dans 10 km de rue (visible sur https://goo.gl/5KqNRk).

> Voir le site d’X/Tnt

Sur le projet Mons Street : http://xtnt.org/streetreview-press.html

 

 

Mercredi 5 octobre : Joël Hubaut

Re-mix épidémik – Esthétique de la dispersion

Joël Hubaut, « épidémique en tout et partout », est un artiste contemporain hors-limites qui s’aventure depuis 40 ans à l’entrecroisement de tous les domaines : plasticien, vidéaste, écrivain, chanteur, poète sonore, enseignant…

Rencontre en écho à l’exposition du CAC Château des Adhémar « L’A(i)r d’en rire », Montélimar, du 25 juin au 31 déc. 2016.

Voir le site internet de Joël Hubaut.
Voir aussi l’ouvrage indispensable Re-mix epidemik – Esthétique de la dispersion, Presses du Réel, 2006.

Photo © Renaud Monfourny

 

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