Tous les articles par Richard Leeman

Mercredi 29 novembre : Philippe Brosse

Né en 1966, Philippe Brosse vit et travaille en Normandie.

“Je n’ai jamais pu faire autrement que de peindre tous les jours depuis que j’ai treize ans.
Je peins des chaises, des fauteuils, des natures mortes, des paysages, des arbres pour trouver la lumière que produit l’alchimie de la couleur et de la peinture.
Je peins pour compenser, pour travailler, pour comprendre, pour célébrer la vie, par urgence, pour être à contretemps, pour ne pas narrer, pour ne pas écrire, pour échapper à l’image, pour survivre dans la société des hommes, pour les rencontrer, pour percer des mystères, pour l’absolu, pour toucher l’autre, pour faire apparaître le tellement  visible de l’invisible.
Je figure, je défigure, je refigure jusqu’à ce que la matière prenne vie, qu’il se passe quelque chose.
Je couvre, je recouvre, je creuse non pas pour qu’on voit, mais pour qu’on sente.
Je veux que ma  peinture soit une pierre de vie.”

(source Ph. Brosse, 2020)

philippebrosse.com
instagram.com/philippe.brosse
facebook.com/philippe.brosse.7
Voir le film de Matthieu Vadepied : Le verre d’eau et la chaise, 1999

 

 

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Mercredi 15 novembre : Makiko Furuichi

Née en 1987 à Kanazawa au Japon, Makiko Furuichi vit et travaille en France. Diplômée de l’université des Beaux-Arts de Kanazawa (2009) et de l’école des Beaux-Arts de Nantes (2011), elle est lauréate du prix des Arts visuels de la Ville de Nantes en 2018. La même année, elle présente sa première exposition personnelle, « KAKI Kukeko », au Frac des Pays de la Loire. Elle participe à de nombreuses expositions collectives en France et au Japon. En 2023 elle est invitée par le musée national Marc-Chagall à Nice pour les cinquante ans du musée.

« Bien qu’elle explore divers médiums, l’artiste japonaise travaille beaucoup l’aquarelle sur papier et l’huile sur toile grâce auxquelles elle crée un univers à l’onirisme foisonnant et coloré. Volontiers nourries de mangas et de réminiscences à son enfance japonaise, les créatures qu’invente Makiko Furuichi paraissent sortir d’un monde flottant, mi-aquatique mi-végétal, mi-fantomatique mi-humain. Entre le mignon et le monstrueux, le rêve et le réel, le figuré et l’abstrait, les formes sont ambiguës, les êtres sont doubles. Effets de textures, traces de gestes, coulures : les traits de ces créatures apparaissent et disparaissent en visions douces et troublantes. »

(Amélie Adamo, « Le monde hybride de Makiko Furuichi »,
L’ŒIL no 715, septembre 2018)

https://www.makikofuruichi.com/

 

 

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Mercredi 18 octobre : Claire Chauvel

Université Bordeaux Montaigne, bât. I, salle I 001, rez-de-chaussée
Tramway ligne B, arrêt Montaigne-Montesquieu

Claire Chauvel est née en 1986. Après des études universitaires, elle voyage à travers l’Europe pour en découvrir les plus grands musées. Ainsi, la confrontation directe aux œuvres lui permet de perfectionner ses techniques et de préciser un style : compositions dynamiques, gestes rapides et incisifs, couleurs fauves. En lien profond avec la nature, Claire Chauvel peint dans la forêt, son premier atelier.
En 2013, elle est remarquée par Agnès B. et remporte le concours Jeunes Créateurs du centre d’art Les Passerelles. En 2016, la Maison des Arts Plastiques Auvergne Rhône-Alpes lui consacre une exposition personnelle “Arbres et rochers”. Une tapisserie d’Aubusson est réalisée d’après une de ses peintures en 2019.

« Claire Chauvel pratique un art où la nature se transforme en peinture. Il y est question de métamorphoses ; celles des forêts, des marais et des sentiers en notes colorées « en un certain ordre assemblés ». Les tableaux relèvent ici d’une expérience directe, celle d’une contemplation brute et d’un travail sur le motif, d’un temps passé à dessiner sous la lumière moirée du feuillage. » François Trahais, historien de l’art, 2023

 

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mercredi 4 octobre : Coline Degruson

Grilles, trames et autres traits d’esprits. François Morellet : l’art et l’écriture

Université Bordeaux Montaigne, salle I 001
Tramway ligne B, arrêt Montaigne-Montesquieu

Élaborer une œuvre abstraite en respectant une simple règle du jeu, telle pourrait se résumer la démarche de l’artiste François Morellet (1926-2016), figure incontournable de l’abstraction géométrique française. Morellet prolonge les réflexions de l’Art concret, initié par Theo van Doesburg en 1930, tout autant qu’il rationalise l’usage de la forme géométrique en la pensant comme base d’un espace pictural anti-compositionnel. L’artiste s’emploie depuis 1952 à développer des systèmes lui permettant d’objectiver sa création au moyen de grilles, de trames, de lignes…. mais également d’une pratique scripturale accompagnant son œuvre. La production d’écrits est pour Morellet une porte ouverte vers la démocratisation de son œuvre par l’explication littérale de celle-ci, tout autant que cela lui permet de se positionner en tant qu’artiste théoricien.

Coline Degruson est doctorante en histoire de l’art contemporain sous la direction de Richard Leeman, au sein du laboratoire ARTES de l’Université Bordeaux Montaigne. Elle est également chargée de cours à l’Université Bordeaux Montaigne et enseigne l’art contemporain à l’Icart Bordeaux. Ses recherches portent sur l’étude des écrits de François Morellet dans un prisme de compréhension plus général de relecture historiographique de l’abstraction géométrique au travers de l’écrit d’artiste.

Image d’illustration : François Morellet, 3 trames de grillage 0° 30° 60°, 1972, grillage sur bois, 1 m x 1 m, Angers, Musée des beaux-arts.

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Paul B. Preciado découvre la lune, c’est le cas de le dire

Voici un an, dans un texte paru dans Libération le 10 septembre 2022, le très fashionable Paul B. Preciado nous explique comment la lecture d’un livre de John Giorno a bouleversé sa représentation de l’histoire de l’art : « Mon image de l’histoire de l’art de la seconde moitié du XXe siècle avait complètement changé. »

Rien que ça.

Et qu’est-ce qui provoque ce changement de paradigme ?

« Ce qui allait transfigurer le récit de l’histoire de l’art qu’on m’avait enseigné serait de découvrir avec qui Giorno avait partagé non seulement sa chambre mais surtout son lit : Andy Warhol, Brion Gysin, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Steve Paxton, Allen Ginsberg, William Burroughs, Keith Haring… »

Oh, my god.

« Il s’agissait d’une avant-garde gay : des jeunes pédés [sic] blancs de classe supérieure. »

« L’image que j’avais du contexte artistique de ces années-là était celle d’un groupe d’hommes hétérosexuels qui dominaient à la fois la scène et le marché de l’art en Amérique et, par extension, le monde. Rien ne pourrait être plus éloigné de la vérité. Cette image, comme beaucoup d’autres, fait partie d’une série d’erreurs historiques qui, véhiculées par le récit hégémonique, se perpétuent pendant des générations. »

Mais de quel récit hégémonique parle Preciado ?

Parce que, s’agissant de cette époque et des artistes cités, tout cela est bien connu depuis Martin Dubermann, Douglas Crimp, Eve Kosofsky Sedgwick, Jonathan D. Katz (dont le très discutable serial outing de Rauschenberg devrait plaire à Preciado). Lors d’un colloque en 1986, Kenneth Silver évoquait le travail commun des « lovers » Johns et Rauschenberg. Tout cela a déjà été raconté par Dubermann dans le New York Times… en 1997, il y a un quart de siècle ! (The NYT, 7 sept. 1997, section 2, p. 89). Bref la perspective « queer » dans le champ académique, concernant cette époque, remonte à plus de 30 ans et est aujourd’hui installée dans le champ académique : Il y a plus de dix ans, le très « hégémonique » Art Bulletin publiait un texte sur « Robert Rauschenberg’s Queer Modernism » (Tom Folland). Et tant qu’à faire un peu de publicité, mon livre sur Twombly et la critique américaine publié en septembre 2022 en France et en juin 2023 aux Etats-Unis, évoque cette confrontation d’un art jugé « efféminé », « intellectualiste », voire « européen » avec des représentations américaines pour lesquelles cet art est tout simplement impensable. Benjamin Buchloh, dans sa préface à mon livre, insiste sur cette hétéro-normativité de la critique américaine de l’époque que met au jour mon travail sur Twombly.

Voilà tout un tas de choses à lire pour éclairer la lanterne du philosophe, qui a son rond de serviette à Libération mais semble ignorer plus de trente ans de critique et d’histoire de l’art.

Mais je doute que cela lui soit finalement utile. Car Preciado montre où est son intérêt, quand il se livre au plaisir démodé de l’anecdote, citant avec gourmandise « l’anus voluptueux » des uns ou la « petite bite » des autres. Ce qui a sans doute une portée théorique et épistémologique majeure, venant d’un philosophe aussi prestigieux, classé 34e dans le « Power 100 » annuel d’Art Review des “Most influential people in 2021 in the contemporary artworld”. Entre François Pinault et Ebony L. Haynes (directrice de la galerie 52 Walker du puissant David Zwirner), c’est dire.

 

Illustration : Ernest Haveman, “Homosexuality in America”, Life magazine, 26 juin 1964.

Mercredi 20 septembre : Jean-Charles Rigaud

Université Bordeaux Montaigne, salle J04
Tramway ligne B, arrêt Montaigne-Montesquieu

Jean-Charles Rigaud peint depuis l’âge de douze ans, ébloui par les talents de dessinateur d’un camarade de classe. Son cheminement créatif évolue depuis l’enfance entre peinture, musique, cinéma et
littérature. Chaque période nécessite un apprentissage spécifique. A celui du dessin et des couleurs succède les tentatives de
composition littéraires et musicales vite abandonnées. A chaque fois, c’est le retour à la peinture : la matrice.
Depuis les années 1990, il ne cesse de faire évoluer son univers. Sa peinture devient plus abstraite dans les années 1997-1998, jusqu’à
s’obstiner dans les nuances de blanc et des encres lavées. L’exposition « Autour de Zéro » à Poitiers en sera le terminus
qui entamera une crise profonde le faisant tout arrêter pendant dix ans. Il déménage à Bordeaux et commence à tourner des films « sauvages ». 14 au total.
Vers 2008-2009, s’apercevant qu’il ne fait que peindre avec la caméra, il retourne aux pinceaux et à la toile. N’étant pas un acharné de la reconnaissance sociale et allergique au théâtre, ses rares
expositions sont toutes liées à des rencontres : Bordeaux, avec André Lombardo, Barcelone, avec Mariana Martinez, Kyoto, avec Mai Araki, etc…
Actuellement, Jean-Charles Rigaud vit et peint à Bordeaux.”
(Source J-Ch. Rigaud)

INSTAGRAM : rigaudjc
produktionsdasdin@gmail.com

 

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CALENDRIER AUTOMNE 2023

Depuis l’année dernière, le séminaire se consacre à la question de la peinture des années 1990-2010.

12 séances : 20, 27 septembre ; 4, 11, 18 octobre ; 8, 15, 22, 29 novembre ; 6, 13 décembre.

Comme chaque année, le séminaire invite des artistes, des critiques, des historiens de l’art à nous parler de leur actualité.

  • 20 septembre – Jean-Charles Rigaud, artiste.
  • 4 octobre – Coline Degruson, doctorante en histoire de l’art, sur l’artiste François Morellet.
  • 18 octobre – Claire Chauvel, artiste.
  • 15 novembre – Makiko Furuichi, artiste.
  • 29 novembre – Philippe Brosse, artiste.

Mercredi 23 novembre 2022 : Bruno Perramant

Capc, 7 rue Ferrère, salle de communication, 16h00.

Bruno Perramant est un artiste français, né en 1962 à Brest. Il vit et travaille à Paris.

“[…] Un système de références elliptiques qui fait la navette entre l’histoire (artistique, intellectuelle, religieuse) et la réalité contemporaine, entre la mémoire et le présent – une circulation constante, réelle et métaphorique. La peinture est interrogée à la fois dans ses traits constants et dans ses rapports de plus en plus complexes avec l’image, notamment l’image en mouvement.
[…] Toutes ces choses peintes ont d’abord été vues d’une fenêtre, photographiées, enregistrées par projection sur une toile avant d’être à nouveau déplacées par l’acte de peindre : le procédé creuse l’écart entre réalité et représentation. Mais Perramant ne s’intéresse pas seulement à la lumière, aux limites de la perception visuelle et à son interaction avec les images mentales. Il engage aussi le langage – un langage sans fonction, se produisant pour ainsi dire hors champ et sans lien apparent avec l’image ; pourtant, comme un sous-titre de film ou une bulle de pensée, un mot s’y inscrit, accentuant le caractère indéterminé de l’œuvre.”
(Guitemie Maldonado, Artforum, jan. 2005)

Représenté par la galerie In Situ – Fabienne Leclerc
http://www.insituparis.fr/fr/artistes/presentation/3888/perramant-bruno

 

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Mercredi 16 novembre 2022 : Vincent Gicquel

Né en 1974 en Normandie, Vincent Gicquel passe son enfance à construire des cabanes et, quand il pleut, à reproduire dans l’atelier de son père les tableaux des pères de la modernité (Van Gogh, Monet ou Picasso…). Il développe alors un attachement très profond pour la peinture à l’huile et un peu plus tard pour la philosophie tragique. Lecteur de Schopenhauer à qui la philosophie n’a rien rapporté mais beaucoup épargné, Vincent Gicquel choisit de devenir peintre car dit-il, « j’avais trop d’humour pour être tueur en série. »

« Le seul sujet possible c’est moi, c’est mon rapport au monde. Il n’y a rien dans ma peinture qui ne soit pas lié au peintre que je suis, rien qui ne soit pas en lien direct avec le processus même de la création. Chaque tableau sert à tenir un discours sur le seul sujet auquel il peut être associé: l’acte de peindre. Tous mes personnages sont occupés à des tâches indéfinissables, mobilisés dans l’exercice d’une activité qui semble être toute la raison de leur existence. Jour après jour ils répètent inlassablement les mêmes gestes avec application, détermination et semblent être les seuls à savoir véritablement ce qu’ils font. Il n’y a rien d’énigmatique, rien à résoudre, rien à comprendre. Je m’attache juste à mettre en lumière l’absurdité de tout acte, et ne fais qu’insister toile après toile sur leur indispensabilité. Le sens échappera toujours à ses poursuivants et chaque tentative d’explication sera vouée à l’échec. Seule une certaine dose d’humour ou une réelle passion pour l’absurde peut nous aider à apprécier ma peinture et le monde dans lequel nous vivons. Rien n’a jamais vraiment changé et rien ne changera jamais. Mon regard et l’oeuvre à laquelle je m’attache me permettent juste de décaler un peu les choses. Les gens, eux, se poseront les questions qu’ils veulent. Sur leur propre condition, leur place dans l’univers, leurs certitudes, sur la mort et sur l’importance de l’humour. Car s’il n’y a effectivement rien à comprendre dans ce monde, il y a bien des choses risibles. »
Vincent Gicquel

Source galerie Thomas Bernard : https://www.galeriethomasbernard.com/fr/artistes/oeuvres/747/vincent-gicquel

 

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Mercredi 9 novembre 2022 : Joël Degbo

Capc, 7 rue Ferrere, salle de communication, 16h00.

Joël Degbo est né à Paris, il vit à Villepinte où il a grandi et fait ses recherches. Diplômé de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris et de l’École des Beaux-Arts de Nantes. Il a entre autres suivi un cursus de peinture et vidéo à la St-Martin School de Londres.
“Joël Degbo peint ou filme cette sagesse connue de tous : « Le passé conseille l’avenir. » Au moyen de ses vidéos, il montre le présent à l’œuvre, l’instant : un immeuble en destruction, la construction d’une chaufferie… Les images de ces sujets apparemment insignifiants questionnent notre définition du patrimoine. Par opposition, la peinture montre un état où se mêlent le passé, le présent et le futur : on y voit l’abandon, la décomposition d’une carcasse sur le bord d’une route, les végétaux pousser. Sa peinture parle de nostalgie où la lumière permet de renouveler notre regard, elle est comme un point de vue ou un parti pris. Ici pas d’humains mais uniquement la trace de leurs passages, tout est calme dans ces paysages où les différentes couleurs de la nuit font la lumière. Il se permet d’explorer diverses pratiques par le biais de son environnement. Aujourd’hui, c’est avec son frère architecte qu’il développe une réflexion artistique et architecturale autour des fluctuations qui animent l’espace, en interrogeant l’expérience des lieux de leur jeunesse connectés à leur expériences plus récente par la combinaison des outils de leurs mediums respectifs.”

Site de l’artiste : http://www.joeldegbo.com/
Septième gallery : https://septiemegallery.com/joel-degbo/

 

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