Tous les articles par Richard Leeman

See-See

Alors Gerhardt Richter, Seestück (See-See), 1970, huile sur toile, 200 x 200 cm, (Staatliche Museen zu Berlin, National Galerie), soit Marine (mer-mer). Avec un tiret. Ce tiret est important parce qu’il manifeste dans le langage ce qui se manifeste dans le tableau, c’est-à-dire cette zone centrale, cet horizon lumineux. Donc, il y aurait un dessus et un dessous. Ce tiret m’évoque la barre de fraction que Saussure puis Lacan ont utilisé pour incarner le rapport entre signifié et signifiant. Chez Saussure signifié « sur » signifiant (Sé/Sa) ; chez Lacan signifiant sur signifié (Sa/Sé) – puis Lacan raye le signifié (Sa/). Cette barre est une commodité parce qu’elle permet de signifier elle-même quelque chose de l’ordre de la représentation. À le considérer ainsi, il y aurait donc dans ce tiret de See-See quelque chose qui relève du rapport entre le signifié et le signifiant. Il faudrait que je m’explique sur ces termes qu’un usage parfois approximatif a galvaudés. Mais dans un premier temps, il me suffit de repérer que ce sous-titre See-See n’est pas un bégaiement : le tiret vient proprement signifier ce qui se passe dans le tableau. See « sur » See. C’est-à-dire, puisqu’en la matière Lacan a ma préférence, Sa/, cette ligne d’horizon séparant les eaux d’en-dessous des eaux d’en-dessus (Genèse 1,7).

1991, 2016, 2022

Le verso de Cary Grant

Quelle ne fut pas ma stupéfaction quand je vis cette œuvre, au détour d’une galerie du Brooklyn Museum.

Quelque part entre un Rothko figuratif très étonnant de 1936 (Subway), deux Stuart Davis de toute beauté (Landscape, 1932-25 et The Mellow Pad, 1945-51), le superbe July de Larry Rivers (1956), on trouve là, comme égaré, le très académique The Sculptor de John Koch, peintre « mondain » au réalisme photographique. Il y a dans cette image une évidence pour des yeux contemporains – s’il en fallait à tout prix une confirmation, Koch fut « outé » par un écrivain de ses amis* et le caractère homo-érotique de cette peinture en particulier discuté par le critique Grady Turner dans un catalogue d’exposition**. Il ne s’agit pas ici de cette évidence, en soi anecdotique et donc pas très intéressante ; non, ce qui m’a littéralement enchanté, c’est le lien immédiat que je fis alors avec le Cary Grant de Kurt Kauper, que j’avais vu à l’exposition Cher peintre au Centre Pompidou en 2002, exposition controversée, notamment à cause de cette œuvre et celles de John Currin, Glenn Brown ou Elizabeth Peyton, entre autres. Kauper parodie évidemment le genre de peinture upper class socialement surdéterminée dont John Koch fut un brillant représentant.
Je ne me lasse décidément pas de voir dans ce nu de Koch le verso du tableau de Kauper.

2015, 2022

* Grand Surprise: The Journals of Leo Lerman, New York, Random House, 2007.
** « Enigmatic Intimacy: The Interior World of John Koch », John Koch: Painting a New York Life, cat. expo., The New-York Historical Society, 2001

Mercredi 15 décembre : Marc-Henri Garcia

Marc-Henri Garcia est né à Bordeaux en 1981. Commissaire d’exposition, galeriste, artiste peintre, il réalise également des installations, il produit de la musique et écrit des textes pour d’autres artistes et designer.
A l’issue d’une première session d’études scientifiques, il décide de se réorienter et se dirige vers des études d’art. A partir de 2003, il passe six ans aux Beaux-Arts de Bordeaux, dans l’atelier de Franck Eon, Lili Reynaud, et Daniel Dewar.
A la suite de ce parcours, il voyage beaucoup en Europe et sur le continent américain afin de rencontrer et collaborer avec divers artistes étrangers.
Après ses études, il organise ses premières expositions à l’étranger, comme à Berlin pour la galerie LageEgal avec Guillaume Leblon, Nicolas Milhé, Mathieu Mercier, Damien Mazières Yann Giraud, Claude Vitac ou encore Daniel Buren et Dan Graham. Puis après avoir été en charge des collections de la Famille Verges à Buenos Aires, il fait le choix de rentrer au bercail et de créer le projet 5UN7 (SUNSET). Cette galerie, liée à l’association éponyme depuis sa fondation en 2012 a pour mission de promouvoir l’Art, le design et la création contemporaine.
Au sein de ce lieu, sont mises en avant des œuvres à des prix défiants toute concurrence, sans pour autant y délaisser l’esthétisme et la valeur intrinsèque.
5UN7 devient alors un lieu d’art incontournable, dirigé par des artistes pour des artistes avec une superficie de 150 m2 au coeur du centre historique de Bordeaux. En son sein, un bar à gestion associative, invite aux échanges culturels et artistiques, ainsi qu’ à l’éclosion tardive de certains projets.
A Bordeaux, 5UN7 est aussi un outil didactique : Une de ses missions est de montrer tout ce qui existe dans les arts contemporains.
Marc Henri Garcia est attentif à préserver un esprit éclectique et curieux lors de chaque choix d’ exposition et surtout à garder une ligne et des thématiques extrêmement variées. Il y a certains projets qui arrivent déjà élaborés et d’autres pour lesquels il doit s’occuper de tout. Parfois Il travaille sur certains parce qu’il trouve que c’est cool. Parfois il y a juste un intérêt à montrer cette personne, son travail à tel moment, car cela correspond à une question de tendance, de société… ou tout simplement de coup de cœur.

Mercredi 1er décembre : Sandra Patron

Sandra Patron dirige le CAPC, musée d’art contemporain de Bordeaux depuis septembre 2019. De 2014 à 2019, elle a dirigé le Mrac Occitanie où elle a mené un ambitieux projet d’extension incluant une nouvelle librairie boutique, de nouveaux espaces d’expositions, de nouvelles réserves et un dépôt conséquent du Cnap. A la tête du musée, elle soutient entre autres le travail de Lubaina Himid, Simon Starling, Lourdes Castro, Bruno Peinado, Pierre Leguillon, Ulla Von Brandenburg ou Pierre Leguillon. De 2007 à 2014, elle dirige le Parc Saint Léger, un centre d’art contemporain fortement engagé dans des collaborations tissées avec des partenaires locaux qui permettaient de proposer aux artistes exposés (Gabriel Kuri, Lili Reynaud Dewar, Oscar Tuazon…) des contextes d’expérimentation pensés à partir des lieux qui les reçoivent et en relation étroite avec les personnes qui les animent. Dans le même temps, elle est fortement engagée dans les réseaux professionnels : d’abord à d.c.a, association de développement des centres d’art, qu’elle préside de 2012 à 2014, puis à Air de Midi, réseau d’Occitanie dont elle est vice-présidente de 2016 à 2018. De 1998 à 2007, elle dirige Triangle France à Marseille, structure innovante de résidences intégrée au Triangle Art Trust, où elle développe un festival bisannuel de performances, des résidences croisées à Hambourg et Barcelone et des expositions de la jeune scène française à Los Angeles, New York et Vilnius. De 2013 à 2016, elle est membre de la commission d’acquisition du Cnap et en 2018, elle est membre du comité de sélection du Pavillon Français de la Biennale de Venise 2019 (Artiste Laure Prouvost). Depuis 2020, elle est membre du comité d’achat du Frac Bretagne.

 

Mercredi 17 novembre : Hubert Renard

Hubert Renard cherche à mettre en doute la matérialité de l’œuvre d’art et à bousculer les éléments qui l’entourent et la font exister, son « paratexte ». Il construit la possible carrière d’un artiste qui porte son nom, en créant de toutes pièces les archives d’une œuvre  « exemplaire » apparue dans les années 1970 et qui suit les modes et les grands débats ayant marqué la fin du XXe siècle. L’objet d’art est subtilisé au profit de sa documentation. Ce travail est montré sous forme d’expositions documentaires, de conférences-performances (La Conférence des échelles, depuis 2001), ou publié dans des catalogues d’exposition ou des monographies. Ainsi, Hubert Renard a eu des expositions personnelles à l’artothèque de Lyon en 2003, au Cabinet du livre d’artiste à Rennes en 2008, à la galerie du CAUE à Limoges en 2009, au Centre des livres d’artistes de Saint-Yrieix-la-Perche en 2013 ou à la galerie mfc-michèle didier à Paris en 2017 et 2021. Il vient de publier la somme du travail réalisé en jouant sur l’exhaustivité et la rigueur du catalogue raisonné : Alain Farfall, Hubert Renard – Catalogue raisonné, 1969-1998, mfc-michèle didier, 2021.

http://hubrenard.free.fr

Photo : Portrait de l’artiste en jeune Mexicain – Archives d’Hubert Renard.

mercredi 13 octobre : Gaspard Delanoë

« Un autre Delanoë est possible »

Gaspard Delanoë est un performeur né en 1968.
Il est le fondateur de plusieurs collectifs d’artistes évoluant dans le domaine des arts plastiques : Musée Igor Balut (1994), KGB (1999), Chez Robert, électrons libres (2000). Il est également l’auteur de trois recueils aux éditions In Libris : Autoportrait du chaman en érection (2003), Précisions à propos du concept de pipe-minute (2005) et Road repair avec l’atelier Julien Martial. Il réalise de nombreuses performances et installations principalement dans des musées, centres d’art, rues, squats et poubelles.
Il est l’auteur, avec Gaëlle Bourges, de la performance I Have a Dream, et co-auteur de Je Baise les Yeux. Performeur dans Le Verrou, de Gaëlle Bourges. Avec Yalda Younes, il crée Je suis venue (festival d’Avignon 2012) et Là, Callas ( Montpellier Danse 2013). À noter également les performances présentées, toujours avec Yalda Younes, Le discours d’entrée dans la veste et Problème technique (Rencontres D’Averroes, Marseille 2013).
Avec le metteur en scène Benoît Bradel, il initie le projet Je te souviens, lecture de textes de Perec, Brainard et  Yves Pagès dont la création a lieu en avril 2015.
En 2020, il publie Le Secret de l’urinoir de Marcel Duchamp révélé au monde, avec Julien de Casabianca, aux éditions du Laboratoire de la Création. 
Il participe en 2021 à la pièce de Gaëlle Bourges « OVTR » ( On Va Tout Rendre), Festival d’Automne. 
Son premier récit, Autoportrait (remake), publié en janvier 2017 aux éditions Plein Jour a été salué par la critique. (Le Monde, Transfuge, France Culture)
Gaspard Delanoë s’est d’autre part présenté aux élections européennes de 2014 sur la liste « L’Europe de Marrakech à Istanbul » du PFT (Parti Faire un Tour), aux élections présidentielles de 2012 où il a échoué à récolter les 500 signatures (354 signatures) et aux législatives de 2017 où il a contribué activement à faire chuter Cambadélis.

 

mercredi 22 septembre : vincent pécoil

Vincent Pécoil est historien, critique d’art et organisateur d’expositions. Après des études d’histoire de l’art et de philosophie, il a dirigé différents projets d’édition pour les Presses du réel, et collaboré à des périodiques en France et à l’étranger*. Il a également contribué à de nombreux catalogues d’expositions pour des galeries ou des institutions comme le Musée d’art moderne de la Ville de Paris, le Palais de Tokyo, le Kunsthaus Zürich ou la Tate Gallery… Il a enseigné l’histoire de l’art et, parallèlement, a organisé une centaine d’expositions, dans trois contextes distincts : secteur associatif (en particulier avec La Salle de bains, à Lyon), institutionnel (MAC Lyon, Villa Arson, FRAC Franche-Comté, FRAC Aquitaine…), et privé, notamment avec la direction d’une galerie, Triple V, de 2007 à 2017. Il a été recruté comme directeur du FRAC Normandie et commencera son travail à ce poste le 1er octobre.

(*) Notamment Art Monthly, Londres ; art/text, Los Angeles ; Camera Austria, Graz ; Contemporary, Londres ; Documents sur l’art, Dijon ; Flash Art, Milan ; Les Cahiers du MNAM, Paris ; Parkett, Zürich ; TATE Etc., Londres ; Trouble, Paris…

16h, université Bordeaux Montaigne, Maison de la recherche, salle des thèses.
> Se rendre à l’université

 

calendrier 2021-2022

Le séminaire se déroule le mercredi de 16h à 18h au Capc de Bordeaux, salle des communications.

Richard Leeman poursuit ses investigations « mythographiques » permettant d’articuler une pensée de l’art contemporain. Il présentera également ses recherches en cours sur William Henry Fox Talbot.

> 15 septembre, 29 septembre, 6 octobre, 27 octobre, 10 novembre, 24 novembre.

Comme chaque année, le séminaire invite cet automne des artistes, des critiques, des historiens de l’art à nous parler de leur actualité.

  • 22 septembre – Vincent Pécoil, critique d’art
  • 13 octobre – Gaspard Delanoë, artiste
  • 17 novembre – Hubert Renard, artiste
  • 1 décembre – Sandra Patron, commissaire d’exposition, directrice du CAPC
  • 15 décembre – Marc-Henri Garcia, artiste et galeriste

VENDREDI 21 MAI 2021 Journée d’étudeS : La critique institutionnelle et ses manifestations

La journée d’étude se déroulera sur zoom. Pour recevoir le lien de connexion, merci d’envoyer un mail à juliettepym@hotmail.com.
 
La critique institutionnelle, mouvement contestataire de l’art contemporain s’interrogeant sur les conditions de production et de diffusion des œuvres d’art, fait actuellement l’objet d’une vaste discussion qui reflète la polysémie du terme. Il est en effet défini à la fois comme un mouvement artistique, une méthode d’investigation et de critique, et un mode opératoire pour les artistes et curateurs. Cependant, cette nébuleuse conceptuelle opère dans une géographie incertaine, principalement occidentale mais aux influences et aux ramifications diverses, et dont les manifestations ne sont pas toujours identifiées comme telles. Comment et pourquoi sa construction historique a-t-elle intégré telle pratique plutôt qu’une autre ? Y a-t-il des zones géographiques où la critique institutionnelle serait restée invisible, ou se serait manifestée via des systèmes lexicaux différents ? Peut-on apposer le label « critique institutionnelle » à n’importe quelle manifestation critiquant les institutions ? Cette journée d’étude se propose d’éclairer, à travers diverses manifestations dans des contextes géographiques et historiques différents, les parcours de la critique institutionnelle dans l’histoire de l’art contemporain.
 
 
9h30 – Accueil des participants, Introduction par Juliette Pym, Doctorante, Université Bordeaux Montaigne
 
9h50 – Critique institutionnelle ou affirmation institutionnelle ? 

Jérôme Glicenstein, Professeur, Université de Paris 8
 
10h30 – L’intériorisation de la critique institutionnelle par les curateurs du nouvel institutionnalisme : troisième vague ou nouvelle orthodoxie ?

Nathalie Desmet, Maîtresse de conférences, Université de Paris 8
 
11h10 – Discussion et pause
 
11h20 – Le statut de l’espace public face aux enjeux de la critique institutionnelle : INSIDE_FABRIKA_OUTSIDE (2012) et des tendances actuelles en art contemporain russe

Natalia Smolianskaïa, Professeur associé, Haute Ecole d’Economie, Moscou
 
12h00 – Le projet performatif – la critique institutionnelle internalisée ? 
Ekaterina Shcherbakova, Doctorante, Université de Paris 8
 
12h40 – Discussion et fin de la première demi-journée
 
14h30 – Du champ sociologique au champ artistique : la pensée de Pierre Bourdieu dans les pratiques de Hans Haacke et Andrea Fraser

Marilou Martinez Soum, Autrice, Montpellier
 
15h10 – Splendeur et misère d’un ralentissement

Jean-Baptiste Farkas, Artiste, Paris
 
15h50 – Discussion et pause
 
16h – Marcel Broodthaers, ou de la difficulté d’appliquer des étiquettes
Nicolas Fourgeaud, Enseignant, Haute école des Arts du Rhin, Strasbourg
 
16h40 – Redessiner les périmètres de la critique institutionnelle avec André Cadere 

Frédéric Herbin, Enseignant, Ecole nationale supérieure d’art de Bourges
 
17h20 – Discussion et clôture (18h)
 
 
Journée organisée par Juliette Pym dans le cadre du Séminaire sur l’art d’aujourd’hui, avec le soutien de l’Université Bordeaux Montaigne et de l’équipe de recherche CLARE-ARTES
 
Informations et contact : juliettepym@hotmail.com
Image de couverture : Andrea Fraser, Museum Highlights: A Gallery Talk, 1989, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.
 
 

Une intuition et quelques fragments sur Louis Le Nain

Louis Le Nain, Famille de paysans dans un intérieur (1642), Louvre

Au mitan des années 2000, je demandai à Jean-Pierre Cuzin, alors devenu, un peu malgré lui, administrateur provisoire de l’Institut national d’histoire de l’art, de me faire l’amitié de m’accompagner au Louvre, où il avait été responsable du département des peintures, pour qu’il me montre ses tableaux préférés. Ce qu’il fit de bonne grâce, et nous nous arrêtâmes évidemment devant Vincent, devant les magnifiques paysages italiens de Valenciennes, nous restâmes un long moment muets devant les natures mortes de Chardin ; et puis les frères Le Nain, en l’occurrence Louis et sa Famille de paysans dans un intérieur (1642).

Non que je sois particulièrement sensible à la manière de ce peintre, mais ce qui m’arrêta d’abord, c’est la couleur du visage de la petite fille sur la droite du tableau. Un visage fermé, blafard, verdâtre même, alors que les autres sont hâlés par la vie au grand air. Je dis à Cuzin, de manière un peu provocante : « Elle est morte cette petite fille, cela me paraît évident ! » Mon acolyte resta poliment sur sa réserve, imputant à mon statut de « contemporanéiste » ce qu’il concevait comme un délire interprétatif. Or, cette réserve me parut ensuite surprenante, puisque Cuzin avait lui-même, dix ans plus tôt, parlé de ces enfants en des termes pas si lointains de mon intuition[*], j’y reviendrai.

Voici les quelques fragments que m’inspirèrent alors cette visite au Louvre :

« (…) Cette petite fille tout le monde lui tourne le dos, même le père si l’on fait bien attention à la posture où la tête légèrement tournée dément la position du corps, tout le monde lui tourne le dos sauf sa mère dont l’absolue frontalité, dans cet océan de dos tournés, établit, par delà les trois figures et en quelque sorte comme par défaut, quelque lien fragile et ténu avec sa fille. (…) Hormis cela, rien, la petite fille n’existe dans la scène que comme un supplément ou, pour mieux dire, un reste. (…)
Et l’on se prend à examiner dans d’autres tableaux ces personnages déjetés de la scène, préférablement à droite, et toujours coupés du cadre, n’appartenant à la scène que pour en être exclus et où, là encore, à l’écart du groupe, se lit, selon les lignes qu’un Marc Fumaroli peut écrire sur un tel tableau, le « regard d’honneur » de celui qui sait la place qu’il occupe dans la société du siècle et sans nul doute dans l’œil et le cœur du commentateur (…)
Cet écart, donc : un autre supplément d’une scène qui, recentrée, s’en serait passée. (…)
On dirait ironiquement, un de ces tableaux est intitulé La famille heureuse.

Louis Le Nain, La famille heureuse, 1642, Louvre

Cette fois le petit bonhomme fait mine d’entrer dans la scène, à qui toujours tout le monde qui regarde le spectateur tourne le dos ou que l’on ignore, petit bonhomme comme toujours coupé du cadre ; de même dans Les petits joueurs de carte (Louvre) ou dans La visite à la grand-mère (Ermitage, Saint-Pétersbourg) :

la porte est cette fois littéralement indiquée là où dans les autres elle n’était qu’interprétée : cette partie du tableau, sur la droite est donc bien quelque chose comme une porte, ouvrant sur un en-dehors de la scène, où ces personnages se trouvent où sont sur le point de se trouver ; mais à cette limite là peu importe à vrai dire : il suffit de comprendre ces personnages ou cette porte comme une figure – une métonymie sans doute, un déplacement – de cette limite, de cet ailleurs : la scène comprend dans ce « bonheur » de la vie paysanne la raison même de la mine foncièrement triste de tous ces personnages : le revers, l’absence, la perte. (…) »

Dans son article, Cuzin évoque cette figure difficile à interpréter, « comme isolée, séparée du couple de parents nourriciers qui paraissent, de la même façon, lui tourner le dos » et la rapporte prudemment aux mouvements de charité des années 1640, et aux « enfants abandonnés et recueillis, placés dans des familles d’accueil dans des villages près de Paris, ou même dans les faubourgs, grâce à l’intervention de personnes charitables (…). Doit-on se demander si, dans certains cas, des enfants de la famille de la personne charitable ne sont pas, par intention d’humilité, introduits, un peu à l’écart, dans la composition ? » Interprétation solide, vraisemblable, positiviste, mais qui se fonde bien sur ce fait, récurrent chez Louis Le Nain, de cette mise à l’écart, de cette position à part de l’enfant à la limite du tableau, entre deux mondes : celui de l’intérieur et celui de l’extérieur du tableau, et que, littéralement, personne ne voit.

 

[*] Jean-Pierre Cuzin, « Les Frères Le Nain : le mystère des portraits », Hommage à Michel Laclotte. Études sur la peinture du Moyen-Âge et de la Renaissance, Milan, Electa/Paris, Réunion des musées nationaux, 1994, p. 480-493.