Archives de catégorie : Invités du séminaire

Lundi 6 mars : Jean-Luc Verna

Attention : exceptionnellement le Séminaire sur l’art d’aujourd’hui se tiendra le lundi 6 mars, 17h, à l’université Bordeaux Montaigne
(tram B, arrêt Montaigne-Montesquieu), amphi Lefèvre.

À l’occasion de sa grande rétrospective « Vous n’êtes pas un peu beaucoup maquillé ? — Non » au MACVAL, Musée d’art contemporain du Val de Marne, Vitry sur Seine, l’artiste Jean-Luc Verna vient au Séminaire sur l’art d’aujourd’hui nous parler de son travail.

L’œuvre polymorphe de Jean-Luc Verna convoque tour à tour ou tout à la fois le dessin, l’installation, la photographie, la danse, la musique, la sculpture. L’ensemble est traversé par la question du corps, du soi, de la transformation, du travestissement, de la vie amoureuse, de la maladie, du vieillissement, et trace inlassablement un autoportrait de l’artiste, lui-même « matière de son œuvre », comme le disait Montaigne.

http://www.airdeparis.com/artists/jean-luc-verna

 

Avec le concours du pôle culture et vie étudiante de l’université Bordeaux Montaigne.

Mercredi 25 janvier : Marie-Laure Allain Bonilla

Visualiser la théorie : Usages des théories postcoloniales dans les pratiques curatoriales de l’art contemporain depuis les années 1980 (Rennes 2, 2014) est une réflexion historicisée sur l’articulation entre les théories postcoloniales et les pratiques curatoriales de l’art contemporain. Elle souligne les perméabilités et la relation dialogique qui se sont instaurées entre celles-ci. Il ne s’agit pas d’expliquer les théories postcoloniales appliquées aux pratiques curatoriales et d’en donner une sorte de mode d’emploi, mais plutôt de les visualiser, c’est-à-dire de donner à voir les différents développements et incarnations de celles-ci. Au-delà d’une simple présentation de ce travail de recherche doctoral, il s’agira également de revenir sur un parcours de recherche et de montrer comment celui-ci s’est construit en inventant une méthodologie propre.

Formée en études curatoriales, Marie-laure Allain Bonilla est docteure en histoire de l’art contemporain. Elle est post-doctorante à l’Université de Bâle depuis janvier 2016. Ses recherches actuelles portent sur les politiques d’acquisition muséales à l’ère de la globalisation et les possibilités de décoloniser les pratiques institutionnelles. Un autre de ses chantiers concerne la biennale de Johannesburg sur laquelle elle travaille depuis plus de dix années et dont elle a le projet d’établir une monographie en collaboration avec Natasha Becker. Elle a contribué à des ouvrages collectifs et notamment publié dans les Carnets du BAL, L’Art Même, Qalqalah, Africultures, Critique d’art ou Muséologies (à venir). Elle travaille actuellement à la publication du manuscrit de sa thèse de doctorat ainsi qu’à celle des actes du colloque Subjectivités féministes, queer et postcoloniales en art contemporain : une histoire en mouvements, qu’elle a co-organisé en avril 2015 à l’Université Rennes 2.

capc, salle de communication, 17h

En partenariat avec le Centre François-Georges Pariset, université Bordeaux Montaigne.

 

 

 

Visuel : vue de l’installation de Rasheed Araeen, The Reading Room, 1979-2011 pour l’exposition The Global Contemporary: Art Worlds After 1989 (ZKM, Karlsruhe, 2011). Droits réservés.

 

 

mercredi 7 décembre : François Trahais

Depuis la fin des années soixante, l’art conceptuel et les nouvelles modalités d’existence de l’œuvre qu’il implique remettent en question les critères traditionnels d’authenticité. La reproductibilité mais surtout la dématérialisation de l’œuvre envisagent la disparition de l’objet au profit d’une valorisation de l’idée et de l’action. Dès lors, comment collectionner l’art contemporain sinon comme une pratique libérée du fétichisme des objets d’art ? En s’associant aux artistes issus du conceptualisme, un nouveau profil de collectionneur émerge au cours des années 1970. C’est en s’impliquant directement dans les processus de création que les mécènes de l’art conceptuel invitent à repenser le mythe de l’artiste solitaire et la question du génie artistique.

Né en 1978, François Trahais débute ses études au sein de la Villa Arson avant de se spécialiser en histoire de l’art contemporain et en droit de la propriété intellectuelle au sein des universités de Bordeaux. Il mène actuellement une thèse en histoire de l’art contemporain au sein de l’École Doctorale Montaigne Humanités sous la direction de Richard Leeman. Membre du comité de rédaction des Essais (revue interdisciplinaire en sciences humaines) depuis 2011, il est également rédacteur indépendant (revue Critique d’Art, Documents d’Artistes Aquitaine, La Belle Revue) et traducteur (Art and Language, made in Zurich, Éditions Bernard Jordan, 2014).

Illus. : Allan McCollum (1944 – ) Plaster Surrogates (Substituts en plâtre),1985, 20 éléments en céramique à froid sur plâtre, 128,5 x 203 cm, Centre Pompidou, MNAM, Paris.

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Mercredi 23 novembre : Emmanuel Reveneau – The Lucid brain integrative project

Emmanuel Reveneau : The Lucid brain integrative project

Attention : exceptionnellement, le séminaire se déroulera
le 23 novembre dans l’auditorium du capc de 17h à 18h30.
Il sera suivi d’un concert d’une demi-heure, à partir de 18h30.

Pratique sonore dédiée à la rétroaction, le live looping accompagne à la marge depuis son invention en 1963 par le compositeur américain Terry Riley le développement du paradigme cybernétique. En incarnant une version originale du dialogue homme-machine, les adeptes du live looping ont exploré une approche électroacoustique et expérientielle alternative. Répétition, générativité, temps réel, composition, orchestration et improvisation, manipulations sonores, interfaces.

Après la création d’installations multimodales articulant le live looping à une réflexivité générale (2001-2010), The Lucid brain est devenu le terrain d’essai d’un logiciel visant à radicaliser certains principes : neutralité ingénieriale, logiques idiosynchrasiques, « double » machinique, routing matriciel. Vers une reconvergence des outils de composition sonore : looping, sampling, tape music, sequencing, triggering, mix, synthèse granulaire.

Né en 1970, Emmanuel Reveneau poursuit depuis les années 1990 ses activités sonores et vidéographiques à travers le spectacle vivant. Il produit depuis 2013 le Loop Jubilee, déclinaison française du Y2K International Live Looping Festival, et tourne fréquemment en Europe et aux Etats-Unis.

Voir :

https://www.youtube.com/user/TheLucidbrain

https://www.facebook.com/TheLucidBrain/

Duo avec Laurie Amat (ex-The Residents) : https://shoresoflatency.bandcamp.com/

Mercredi 9 novembre : Ludovic Nobileau

Que peut-on faire dans l’espace public. Conférence active

« Chaque année, plus de 4 kg de lois sont rédigées sans que personne puisse prétendre les avoir lues »

Que peut-on faire dans l’espace public ? Force est de constater que nous ne savons pas vraiment, bien que nous soyons souvent rappelés à l’ordre sur ce que nous n’avons pas le droit de faire. Puisque « nul n’est censé ignorer la loi », nous sommes tous dans l’illégalité… Le Code de la déconduite, véritable guide du citoyen, explore avec les habitants les limites du droit, et entreprend des actions “border line” pour que nous prenions conscience que le droit est une construction humaine qui n’est pas figée, qui doit être éprouvée, questionnée ; plus encore, il est de notre responsabilité de le faire évoluer, progresser, pour préserver les libertés et construire une société plus inclusive. Pour le réaliser, X/tnt mène une série d’expériences avec des citoyens de plusieurs villes d’Europe, en collaboration avec des Universités, notamment avec des Facultés de Droit et des Ecoles d’Art. X/tnt souhaite passer avec ce projet à une action culturelle politique et éprouver les limites de la loi dans l’espace public. En effet, le domaine public est quasi exclusivement régi par des mesures de sécurité, au lieu d’être considéré comme un espace de vie et d’échanges en commun.

 

Ludovic Nobileau est metteur en scène, acteur et réalisateur.  Il co-dirige la compagnie X/tnt spécialisée dans des actions participatives de rue qui revendiquent une réappropriation de l’espace public et une réinvention de la ville. Après des études de cinéma et de lettres modernes, il monte des œuvres théâtrales classiques (Lorenzaccio, En attendant Godot) avant de se tourner vers un théâtre de l’immédiateté dans les rues de Paris où il monte une histoire athlétique et fragmentée du théâtre au rythme de trois pièces par an. Admis à l’Institut nomade de formation à la mise en scène au Conservatoire supérieur national d’art dramatique (Paris), il a travaillé auprès de Bob Wilson (Etats-Unis) et de Kristian Lupa (Pologne).
Les actions participatives d’X/tnt ont également été montées au Grand Palais, au Toynbee Studio à Londres, à la Ferme du Buisson, au Festival les Tombées de la nuit (Rennes), au Festival de la Cité Lausanne, à la Zat (Montpelliers), au Festival Vivacité Rouen, au NNF Festival UK, et tout dernièrement,  pour « Mons capitale Européenne de la Culture en 2015 » où la compagnie a créé un des plus grands projets collaboratifs de Mons 2015 : Mons Street Review, une carte collaborative de Mons à 360° dans 10 km de rue (visible sur https://goo.gl/5KqNRk).

> Voir le site d’X/Tnt

Sur le projet Mons Street : http://xtnt.org/streetreview-press.html

 

 

Mercredi 13 avril : Franck Ancel

Que resterait-il d’une scénographie qui s’autoriserait d’elle-même ? Un degré zéro dont il nous faut encore chercher l’origine dans l’année fondatrice de 1987 que Franck Ancel a vécue à Bordeaux, entre les néons de Mario Merz et les bruits de JM Vivenza. Si Jacques Lacan introduit la lettre Sigma à partir de James Joyce dans son analyse de son œuvre comme symptôme, Franck Ancel a effectué une boucle sur un autre Sigma, le festival de Bordeaux, l’inconscient culturel de cette ville. Franck Ancel a déjà plusieurs fois parlé du Code Source (*) mais cette fois, il pose l’idée d’un jeu entre toutes les personnes présentes. Il tentera avec les participants de nouer, entre 1987 et 2017, trente de ses projets mis à l’épreuve de la discussion, sans aucun document visuel ou sonore autre que sa parole. Il vous invite à participer en 2 heures et 5 minutes, le temps qu’il faudra prochainement en TGV entre Paris et Bordeaux, à venir échanger autour d’une pratique et d’une théorie de l’espace qui s’écrit actuellement, entre une thèse de doctorat et une première monographie à l’horizon 2017. Cette séance à l’Entrepôt Lainé est aussi une invitation à expérimenter des œuvres, hors les murs et/ou limites dont l’histoire ne s’arrête pas depuis Le Livre de Stéphane Mallarmé, face à la technologie contemporaine.

(*)http://franckancel.tumblr.com/post/49257933823/code-source

Franck Ancel explore la numérisation avec des créations post-scénographiques. Il interroge tant le visiteur que le spectateur, par un prisme créatif, hors des frontières, dans une mise en réseaux de données post-médiatiques. Cela trace une ligne de crête depuis les avant-gardes artistiques du siècle dernier jusqu’aux récentes mutations de la création contemporaine à l’échelle planétaire. Ses multiples communications ou divers commissariats, naviguent entre théorie et pratique, du champ culturel à l’art d’aujourd’hui. Certaines de ses œuvres font partie de collections privées et il produit également des multiples en édition limitée à 27 exemplaires. Sa vision respire ainsi une intacte jeunesse, en face de l’authenticité de certains êtres et espaces, toujours en mouvement.

À la croisée de l’histoire, de la théorie et de la pratique, le séminaire d’histoire de l’art contemporain animé par Richard Leeman s’adresse aux étudiants de master et aux doctorants d’arts plastiques et d’histoire de l’art de l’université de Bordeaux Montaigne, aux étudiants des Beaux-Arts de Bordeaux et plus largement aux amateurs d’art actuelIl se tient au CAPC de Bordeaux, 7 Rue Ferrere, le mercredi à 16h.

Image : Franck Ancel Insight © Nadia Rabhi 2014

Avec le soutien de l’université Bordeaux Montaigne, Direction vivre à l’université, pôle culture et vie étudiante.

Mercredi 16 mars : Renaud Subra

Renaud Subra collabore avec Chloé Royac depuis 2005 sous le pseudonyme CRYRS. Ensemble, ils compilent textes, photo et vidéos numériques pour créer des pièces polymorphes desquelles se dégagent une gêne plastique et un sentiment d’absurde. Les codes usuels de la représentation et du divertissement en général sont ainsi mis l’épreuve de notre interprétation (Raisons suffisantes). L’animal devient une figure maîtresse à partir de 2009 et est utilisée comme semence sémantique et plastique (Ecce homo).
En 2013, Renaud Subra, sous le pseudonyme D. H. Arbus, entame isolément un travail de  « centaurisation », également le sujet de sa thèse, qu’il a commencée en 2012 sous la direction de Richard Leeman au sein de l’équipe ARTES (Unité CLARE, université Bordeaux Montaigne). Le pari de « L’art et la vie confondus » est réactivé dans un champ actuel par cette impossible métamorphose homme-animal. Il bannit alors l’idée même de représentation devenant alors un artiste sans œuvres qui favorise l’expérience et son partage à l’aboutissement plastique de son travail.

 

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Mercredi 17 février : Pierre Ménigault

Pierre Ménigault évoquera avec nous la musique des années 1980 à travers son expérience de DJ au célèbre Rachdingue, discothèque surréaliste à Vilajuïga en Catalogne, créée par Miette, muse et ami de Salvador Dali qui la décore et parraine son ouverture en 1968, et où des amis artistes comme Andy Warhol, César, Mick Jagger et bien d’autres venaient faire la fête.
En 1999 il commence à produire du son sous MAO (musique assistée par ordinateur). Il fonde en 2000 avec Manu Grillet le groupe M.A.D.S 33 et sort un CD 5 titres électro en 2001 (33 in cheese 1/3), année où il sort en solo sous le pseudo TurboPII l’album Bass is instinct. En 2009 il travaille avec Bärn Balta et le duo de Iflodge avec qui il enregistre Complex Scale,  album noise / indus. On peut également écouter sur myspace le CD 5 titres solo PHASES (2009) qu’il a enregistré sous le pseudo The M_Of_So. Cet album est un enchevêtrements de nappes synthétiques ; sur « Phase 5 », la voix de Nuschy nous fait partager ses désirs secrets.
Toujours attiré par de nouvelles expériences sonores, Pierre Ménigault entrecoupe ses productions de morceaux isolés comme « Hadron Collider » ou « Tangerine dream »,  interprétations personnelles de ces mouvements musicaux.

 

Photo : Pierre Ménigault en 1984

 

 

 

 

mercredi 20 janvier : Stéphane Corréard : ATTENTION RENCONTRE ANNULEE

Né en 1968 , successivement (et parfois simultanément) critique d’art, journaliste, collectionneur, commissaire d’exposition, galeriste et expert pour des ventes publiques, Stéphane Corréard évolue dans le monde de l’art contemporain depuis plus de trente ans. Eclectique, son parcours lui a permis de développer une vision panoramique des problématiques liées à l’évolution de cet univers, marquée par la place qu’y prend le marché, et l’industrialisation progressive de certains de ses acteurs et process. Deux constantes témoignent de son engagement singulier en faveur de l’art de son temps : une attention marquée pour l’émergence de nouveaux artistes, et un attachement viscéral à une « vision  française de l’art ». Lors de cette rencontre, Stéphane Corréard propose de dialoguer librement autour de ces questions, en revenant sur les moments-clés de sa vie professionnelle, de la création de la Galerie Météo en 1992 à la Direction du Département Art contemporain de la maison de ventes Cornette de Saint Cyr, en passant par le commissariat du Salon de Montrouge, entre 2009 et 2015.

 

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mercredi 9 décembre : Tristan Trémeau

AGENTS DOUBLES : ART, ARTISTES ET POLITIQUES URBAINES
« Dealings with artists, for instance, require great prudence; they are acquainted with all classes of society, and for that reason dangerous; they are hardly ever satisfied, and when you have too much to do with them, you are sure to have des ennuis  » — Roi Leopold 1er, lettre à la Reine Victoria, 10 octobre 1845.
À cette époque, les artistes modernes se reconnaissaient comme des « agents doubles » (Courbet), se déclarant parfois prêts au sacrifice révolutionnaire, épousant les revendications des classes populaires car proches de leurs conditions d’existence, tout en ayant pour clients la bourgeoisie, progressiste ou non.
Aujourd’hui, s’ils vivent toujours, en majorité, dans des conditions économiques et sociales précaires, proches de celles des classes populaires et des classes moyennes, les artistes contemporains, y compris ceux qui engagent leur travail sur des terrains politiques, ne semblent plus faire peur. Ainsi, selon Jean-Jacques Aillagon, ancien président du centre Georges Pompidou à Paris, ancien ministre français de la Culture et de la Communication et conseiller de François Pinault, « L’art est devenu, c’est l’un des grands effets de la démocratisation de la culture et de la sédimentation des actions publiques, un objet culturel qui participe singulièrement au développement de la société des loisirs dont il est parfois devenu un des pôles les plus attractifs ».
Comment comprendre cette évolution ? Le cours-conférence s’intéressera à des études de nouvelles formes d’action artistique dans l’espace public et les institutions artistiques (l’artiste comme médiateur) et à des études de cas de nouvelles manifestations initiées par les pouvoirs publics (Biennales, Nuits Blanches, Capitale Européenne de la Culture…) et de nouveaux établissements initiés par les élus et co-financés par le mécénat (maisons folies, projet de Tour Médicis en banlieue parisienne…). Une hypothèse sera centrale : les artistes, du fait de leur situation économique précaire, de leur « disponibilité contestaire » (Aillagon) et de leur capital symbolique reconnu par les élus et décideurs économiques, ne seraient-ils pas utilisés comme des agents doubles, pacificateurs sociaux, opérateurs de requalification et de gentrification des quartiers populaires, mais encore facteurs d’augmentation du capital touristique et marketing des villes ?
 
Tristan Trémeau est critique d’art, docteur en histoire de l’art et commissaire d’exposition. Professeur d’histoire et théorie des arts à l’École supérieure d’art de Tours (Epcc Esba TALM) et à l’Académie Royale des beaux-arts de Bruxelles (ARBA-ESA), il est aussi chargé de cours en histoire des expositions à l’Université Paris 1-Sorbonne, dans le cadre du Master 2 pro Sciences et Techniques de l’Exposition. Depuis 1994, il a publié de nombreux articles dans la presse artistique francophone : Ddo, Artpress et Art 21 en France, ETC et Esse art + opinion au Canada, L’art même et La Part de l’œil (Belgique). En 2011 a paru son premier livre, In art we trust. L’art au risque de son économie, aux éditions Al Dante/Aka (Marseille/Bruxelles). Il travaille actuellement sur un nouveau livre, à paraître en 2016 aux éditions Les prairies ordinaires (Paris) : Agents doubles. Art, artistes et politiques urbaines  sera consacré à une étude critique des usages de l’art et des artistes dans les politiques de redynamisation culturelle des villes et de requalification des quartiers populaires. Des archives de ses écrits sont consultables sur son blog :http://tristantremeau.blogspot.com.

 

Photo © Raphaël Schneider
Avec le concours de l’université Bordeaux Montaigne, pôle culture et vie étudiante.