« En 2014, Rouge choisit un nom qu’elle souhaite proche de son travail de rue. Attachée au dessin et à la peinture, elle trouve sur les murs des villes un droit à la figuration, aux histoires et à l’engagement. C’est pourtant avec un travail d’installations vidéos et de performances qu’elle est en parallèle diplômée des Beaux-Arts de Bordeaux.
Sa pioche iconographique, qu’elle accompagne parfois d’un travail d’écriture, s’élabore avec une vigilance sensible à ses contextes d’apparition et un goût du réel mis en scène. Elle tente de déceler, en chaque terrain d’inscription, une singularité et une rêverie propre.
Il y a dans la pratique de Rouge, l’idée qu’une image, c’est précieux, et qu’en fabriquer une de qualité, c’est-à-dire épaisse en narration, en générosité picturale et en poésie, c’est une fête rare à laquelle elle aime à consacrer du temps, et dont la conception se forge dans le contact et l’exploration de ses alentours.
Animée par un art accessible, perméable et pris dans le tissu du monde, elle travaille depuis ses débuts par collages ou fresques dans la ville, parallèlement à une pratique rigoureuse en atelier. Le mur, le quartier, comme la toile et le papier, lui offrent l’occasion de figurations jamais symboliques, mais toujours narratives.
Ses compositions, forgée dans une peinture patiente, proposent une tension vers le manifeste, la fable, ou le poème, avec une attention aux tensions de cadrage héritée de la vidéo. »
Luka Merlet .

Vue de l’exposition « The frost is all over », au château Lamazière à Cormeilles en Parisis en septembre 2023 , commissariat : galerie Chenus Longhi ; photo : Lansy Siessie.

 Unité de recherche 24141

Connue pour ses peintures à grande échelle constructivistes aux couleurs électrisantes, Hélène Latte explore la relation entre langage et abstraction en commençant souvent par des surfaces planes composées de gris colorés. Ces compositions évoquent des symboles pré-linguistiques dont les formes éphémères et les perspectives changeantes suggèrent à la fois le pouvoir et les limitent du langage, et remettent en question le canon moderniste de l’abstraction.
L’artiste se concentre sur la construction d’une écriture abstraite qui s’étend au-delà du cadre et de la forme. Dans un premier temps, les peintures produites sont élaborées sur des logiciels simples où l’artiste peut pervertir, redimensionner, reconfigurer et réorienter ses trajectoires dans des figures qui déplacent l’équilibre du pouvoir et de la dépendance. Son œuvre abstraite, hommage aux maîtres comme Josef Albers, Vassily Kandinsky et El Lissitzky fonctionne ici comme un moyen de contourner le monde, une descente ciblée vers la perception, où les formes sont des signifiants potentiels de leur vie antérieure en tant qu’objets, symboles, désormais dépouillés de leur chosité, sans devoir les nommer.
Alain Christian Barret.

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Simon Rayssac est peintre. Né en 1983, il a fait ses études à l’École supérieure des Beaux- Arts de Bordeaux. Il vit et travaille entre Bordeaux et l’Aveyron.

Depuis une dizaine d’années, Simon Rayssac développe un processus de travail basé sur un format quasi unique de tableau (46 cm x 55 cm).
À travers ses gestes, il exprime son souci pour la terre. Une profusion de peintures où l’urgence vitale et la nécessité d’être vivant apparaissent. Des instants d’émotion se transforment en épiphanies. Ses œuvres capturent des formes sauvages, apprivoisées par la lumière, par les transformations surprenantes de la matière picturale, mélangeant habilement les pinceaux et les événements.

(source Simon Rayssac)

Sapin, acrylique et huile sur toile, 46 x 55 cm, 2022 (détail)

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Né en 1966, Philippe Brosse vit et travaille en Normandie.

“Je n’ai jamais pu faire autrement que de peindre tous les jours depuis que j’ai treize ans.
Je peins des chaises, des fauteuils, des natures mortes, des paysages, des arbres pour trouver la lumière que produit l’alchimie de la couleur et de la peinture.
Je peins pour compenser, pour travailler, pour comprendre, pour célébrer la vie, par urgence, pour être à contretemps, pour ne pas narrer, pour ne pas écrire, pour échapper à l’image, pour survivre dans la société des hommes, pour les rencontrer, pour percer des mystères, pour l’absolu, pour toucher l’autre, pour faire apparaître le tellement  visible de l’invisible.
Je figure, je défigure, je refigure jusqu’à ce que la matière prenne vie, qu’il se passe quelque chose.
Je couvre, je recouvre, je creuse non pas pour qu’on voit, mais pour qu’on sente.
Je veux que ma  peinture soit une pierre de vie.”

(source Ph. Brosse, 2020)

philippebrosse.com
instagram.com/philippe.brosse
facebook.com/philippe.brosse.7
Voir le film de Matthieu Vadepied : Le verre d’eau et la chaise, 1999

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Née en 1987 à Kanazawa au Japon, Makiko Furuichi vit et travaille en France. Diplômée de l’université des Beaux-Arts de Kanazawa (2009) et de l’école des Beaux-Arts de Nantes (2011), elle est lauréate du prix des Arts visuels de la Ville de Nantes en 2018. La même année, elle présente sa première exposition personnelle, « KAKI Kukeko », au Frac des Pays de la Loire. Elle participe à de nombreuses expositions collectives en France et au Japon. En 2023 elle est invitée par le musée national Marc-Chagall à Nice pour les cinquante ans du musée.

« Bien qu’elle explore divers médiums, l’artiste japonaise travaille beaucoup l’aquarelle sur papier et l’huile sur toile grâce auxquelles elle crée un univers à l’onirisme foisonnant et coloré. Volontiers nourries de mangas et de réminiscences à son enfance japonaise, les créatures qu’invente Makiko Furuichi paraissent sortir d’un monde flottant, mi-aquatique mi-végétal, mi-fantomatique mi-humain. Entre le mignon et le monstrueux, le rêve et le réel, le figuré et l’abstrait, les formes sont ambiguës, les êtres sont doubles. Effets de textures, traces de gestes, coulures : les traits de ces créatures apparaissent et disparaissent en visions douces et troublantes. »

(Amélie Adamo, « Le monde hybride de Makiko Furuichi »,
L’ŒIL no 715, septembre 2018)

https://www.makikofuruichi.com/

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Université Bordeaux Montaigne, bât. I, salle I 001, rez-de-chaussée
Tramway ligne B, arrêt Montaigne-Montesquieu

Claire Chauvel est née en 1986. Après des études universitaires, elle voyage à travers l’Europe pour en découvrir les plus grands musées. Ainsi, la confrontation directe aux œuvres lui permet de perfectionner ses techniques et de préciser un style : compositions dynamiques, gestes rapides et incisifs, couleurs fauves. En lien profond avec la nature, Claire Chauvel peint dans la forêt, son premier atelier.
En 2013, elle est remarquée par Agnès B. et remporte le concours Jeunes Créateurs du centre d’art Les Passerelles. En 2016, la Maison des Arts Plastiques Auvergne Rhône-Alpes lui consacre une exposition personnelle “Arbres et rochers”. Une tapisserie d’Aubusson est réalisée d’après une de ses peintures en 2019.

« Claire Chauvel pratique un art où la nature se transforme en peinture. Il y est question de métamorphoses ; celles des forêts, des marais et des sentiers en notes colorées « en un certain ordre assemblés ». Les tableaux relèvent ici d’une expérience directe, celle d’une contemplation brute et d’un travail sur le motif, d’un temps passé à dessiner sous la lumière moirée du feuillage. » François Trahais, historien de l’art, 2023

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Grilles, trames et autres traits d’esprits. François Morellet : l’art et l’écriture

Université Bordeaux Montaigne, salle I 001
Tramway ligne B, arrêt Montaigne-Montesquieu

Élaborer une œuvre abstraite en respectant une simple règle du jeu, telle pourrait se résumer la démarche de l’artiste François Morellet (1926-2016), figure incontournable de l’abstraction géométrique française. Morellet prolonge les réflexions de l’Art concret, initié par Theo van Doesburg en 1930, tout autant qu’il rationalise l’usage de la forme géométrique en la pensant comme base d’un espace pictural anti-compositionnel. L’artiste s’emploie depuis 1952 à développer des systèmes lui permettant d’objectiver sa création au moyen de grilles, de trames, de lignes…. mais également d’une pratique scripturale accompagnant son œuvre. La production d’écrits est pour Morellet une porte ouverte vers la démocratisation de son œuvre par l’explication littérale de celle-ci, tout autant que cela lui permet de se positionner en tant qu’artiste théoricien.

Coline Degruson est doctorante en histoire de l’art contemporain sous la direction de Richard Leeman, au sein du laboratoire ARTES de l’Université Bordeaux Montaigne. Elle est également chargée de cours à l’Université Bordeaux Montaigne et enseigne l’art contemporain à l’Icart Bordeaux. Ses recherches portent sur l’étude des écrits de François Morellet dans un prisme de compréhension plus général de relecture historiographique de l’abstraction géométrique au travers de l’écrit d’artiste.

Image d’illustration : François Morellet, 3 trames de grillage 0° 30° 60°, 1972, grillage sur bois, 1 m x 1 m, Angers, Musée des beaux-arts.

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Université Bordeaux Montaigne, salle J04
Tramway ligne B, arrêt Montaigne-Montesquieu

“Jean-Charles Rigaud peint depuis l’âge de douze ans, ébloui par les talents de dessinateur d’un camarade de classe. Son cheminement créatif évolue depuis l’enfance entre peinture, musique, cinéma et
littérature. Chaque période nécessite un apprentissage spécifique. A celui du dessin et des couleurs succède les tentatives de
composition littéraires et musicales vite abandonnées. A chaque fois, c’est le retour à la peinture : la matrice.
Depuis les années 1990, il ne cesse de faire évoluer son univers. Sa peinture devient plus abstraite dans les années 1997-1998, jusqu’à
s’obstiner dans les nuances de blanc et des encres lavées. L’exposition « Autour de Zéro » à Poitiers en sera le terminus
qui entamera une crise profonde le faisant tout arrêter pendant dix ans. Il déménage à Bordeaux et commence à tourner des films « sauvages ». 14 au total.
Vers 2008-2009, s’apercevant qu’il ne fait que peindre avec la caméra, il retourne aux pinceaux et à la toile. N’étant pas un acharné de la reconnaissance sociale et allergique au théâtre, ses rares
expositions sont toutes liées à des rencontres : Bordeaux, avec André Lombardo, Barcelone, avec Mariana Martinez, Kyoto, avec Mai Araki, etc…
Actuellement, Jean-Charles Rigaud vit et peint à Bordeaux.”
(Source J-Ch. Rigaud)

INSTAGRAM : rigaudjc
produktionsdasdin@gmail.com

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Capc, 7 rue Ferrère, salle de communication, 16h00.

Bruno Perramant est un artiste français, né en 1962 à Brest. Il vit et travaille à Paris.

“[…] Un système de références elliptiques qui fait la navette entre l’histoire (artistique, intellectuelle, religieuse) et la réalité contemporaine, entre la mémoire et le présent – une circulation constante, réelle et métaphorique. La peinture est interrogée à la fois dans ses traits constants et dans ses rapports de plus en plus complexes avec l’image, notamment l’image en mouvement.
[…] Toutes ces choses peintes ont d’abord été vues d’une fenêtre, photographiées, enregistrées par projection sur une toile avant d’être à nouveau déplacées par l’acte de peindre : le procédé creuse l’écart entre réalité et représentation. Mais Perramant ne s’intéresse pas seulement à la lumière, aux limites de la perception visuelle et à son interaction avec les images mentales. Il engage aussi le langage – un langage sans fonction, se produisant pour ainsi dire hors champ et sans lien apparent avec l’image ; pourtant, comme un sous-titre de film ou une bulle de pensée, un mot s’y inscrit, accentuant le caractère indéterminé de l’œuvre.”
(Guitemie Maldonado, Artforum, jan. 2005)

Représenté par la galerie In Situ – Fabienne Leclerc
http://www.insituparis.fr/fr/artistes/presentation/3888/perramant-bruno

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Né en 1974 en Normandie, Vincent Gicquel passe son enfance à construire des cabanes et, quand il pleut, à reproduire dans l’atelier de son père les tableaux des pères de la modernité (Van Gogh, Monet ou Picasso…). Il développe alors un attachement très profond pour la peinture à l’huile et un peu plus tard pour la philosophie tragique. Lecteur de Schopenhauer à qui la philosophie n’a rien rapporté mais beaucoup épargné, Vincent Gicquel choisit de devenir peintre car dit-il, « j’avais trop d’humour pour être tueur en série. »

« Le seul sujet possible c’est moi, c’est mon rapport au monde. Il n’y a rien dans ma peinture qui ne soit pas lié au peintre que je suis, rien qui ne soit pas en lien direct avec le processus même de la création. Chaque tableau sert à tenir un discours sur le seul sujet auquel il peut être associé: l’acte de peindre. Tous mes personnages sont occupés à des tâches indéfinissables, mobilisés dans l’exercice d’une activité qui semble être toute la raison de leur existence. Jour après jour ils répètent inlassablement les mêmes gestes avec application, détermination et semblent être les seuls à savoir véritablement ce qu’ils font. Il n’y a rien d’énigmatique, rien à résoudre, rien à comprendre. Je m’attache juste à mettre en lumière l’absurdité de tout acte, et ne fais qu’insister toile après toile sur leur indispensabilité. Le sens échappera toujours à ses poursuivants et chaque tentative d’explication sera vouée à l’échec. Seule une certaine dose d’humour ou une réelle passion pour l’absurde peut nous aider à apprécier ma peinture et le monde dans lequel nous vivons. Rien n’a jamais vraiment changé et rien ne changera jamais. Mon regard et l’oeuvre à laquelle je m’attache me permettent juste de décaler un peu les choses. Les gens, eux, se poseront les questions qu’ils veulent. Sur leur propre condition, leur place dans l’univers, leurs certitudes, sur la mort et sur l’importance de l’humour. Car s’il n’y a effectivement rien à comprendre dans ce monde, il y a bien des choses risibles. »
Vincent Gicquel

Source galerie Thomas Bernard : https://www.galeriethomasbernard.com/fr/artistes/oeuvres/747/vincent-gicquel

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