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VENDREDI 21 MAI 2021 Journée d’étudeS : La critique institutionnelle et ses manifestations

La journée d’étude se déroulera sur zoom. Pour recevoir le lien de connexion, merci d’envoyer un mail à juliettepym@hotmail.com.
 
La critique institutionnelle, mouvement contestataire de l’art contemporain s’interrogeant sur les conditions de production et de diffusion des œuvres d’art, fait actuellement l’objet d’une vaste discussion qui reflète la polysémie du terme. Il est en effet défini à la fois comme un mouvement artistique, une méthode d’investigation et de critique, et un mode opératoire pour les artistes et curateurs. Cependant, cette nébuleuse conceptuelle opère dans une géographie incertaine, principalement occidentale mais aux influences et aux ramifications diverses, et dont les manifestations ne sont pas toujours identifiées comme telles. Comment et pourquoi sa construction historique a-t-elle intégré telle pratique plutôt qu’une autre ? Y a-t-il des zones géographiques où la critique institutionnelle serait restée invisible, ou se serait manifestée via des systèmes lexicaux différents ? Peut-on apposer le label « critique institutionnelle » à n’importe quelle manifestation critiquant les institutions ? Cette journée d’étude se propose d’éclairer, à travers diverses manifestations dans des contextes géographiques et historiques différents, les parcours de la critique institutionnelle dans l’histoire de l’art contemporain.
 
 
9h30 – Accueil des participants, Introduction par Juliette Pym, Doctorante, Université Bordeaux Montaigne
 
9h50 – Critique institutionnelle ou affirmation institutionnelle ? 

Jérôme Glicenstein, Professeur, Université de Paris 8
 
10h30 – L’intériorisation de la critique institutionnelle par les curateurs du nouvel institutionnalisme : troisième vague ou nouvelle orthodoxie ?

Nathalie Desmet, Maîtresse de conférences, Université de Paris 8
 
11h10 – Discussion et pause
 
11h20 – Le statut de l’espace public face aux enjeux de la critique institutionnelle : INSIDE_FABRIKA_OUTSIDE (2012) et des tendances actuelles en art contemporain russe

Natalia Smolianskaïa, Professeur associé, Haute Ecole d’Economie, Moscou
 
12h00 – Le projet performatif – la critique institutionnelle internalisée ? 
Ekaterina Shcherbakova, Doctorante, Université de Paris 8
 
12h40 – Discussion et fin de la première demi-journée
 
14h30 – Du champ sociologique au champ artistique : la pensée de Pierre Bourdieu dans les pratiques de Hans Haacke et Andrea Fraser

Marilou Martinez Soum, Autrice, Montpellier
 
15h10 – Splendeur et misère d’un ralentissement

Jean-Baptiste Farkas, Artiste, Paris
 
15h50 – Discussion et pause
 
16h – Marcel Broodthaers, ou de la difficulté d’appliquer des étiquettes
Nicolas Fourgeaud, Enseignant, Haute école des Arts du Rhin, Strasbourg
 
16h40 – Redessiner les périmètres de la critique institutionnelle avec André Cadere 

Frédéric Herbin, Enseignant, Ecole nationale supérieure d’art de Bourges
 
17h20 – Discussion et clôture (18h)
 
 
Journée organisée par Juliette Pym dans le cadre du Séminaire sur l’art d’aujourd’hui, avec le soutien de l’Université Bordeaux Montaigne et de l’équipe de recherche CLARE-ARTES
 
Informations et contact : juliettepym@hotmail.com
Image de couverture : Andrea Fraser, Museum Highlights: A Gallery Talk, 1989, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA.
 
 

Une intuition et quelques fragments sur Louis Le Nain

Louis Le Nain, Famille de paysans dans un intérieur (1642), Louvre

Au mitan des années 2000, je demandai à Jean-Pierre Cuzin, alors devenu, un peu malgré lui, administrateur provisoire de l’Institut national d’histoire de l’art, de me faire l’amitié de m’accompagner au Louvre, où il avait été responsable du département des peintures, pour qu’il me montre ses tableaux préférés. Ce qu’il fit de bonne grâce, et nous nous arrêtâmes évidemment devant Vincent, devant les magnifiques paysages italiens de Valenciennes, nous restâmes un long moment muets devant les natures mortes de Chardin ; et puis les frères Le Nain, en l’occurrence Louis et sa Famille de paysans dans un intérieur (1642).

Non que je sois particulièrement sensible à la manière de ce peintre, mais ce qui m’arrêta d’abord, c’est la couleur du visage de la petite fille sur la droite du tableau. Un visage fermé, blafard, verdâtre même, alors que les autres sont hâlés par la vie au grand air. Je dis à Cuzin, de manière un peu provocante : « Elle est morte cette petite fille, cela me paraît évident ! » Mon acolyte resta poliment sur sa réserve, imputant à mon statut de « contemporanéiste » ce qu’il concevait comme un délire interprétatif. Or, cette réserve me parut ensuite surprenante, puisque Cuzin avait lui-même, dix ans plus tôt, parlé de ces enfants en des termes pas si lointains de mon intuition[*], j’y reviendrai.

Voici les quelques fragments que m’inspirèrent alors cette visite au Louvre :

« (…) Cette petite fille tout le monde lui tourne le dos, même le père si l’on fait bien attention à la posture où la tête légèrement tournée dément la position du corps, tout le monde lui tourne le dos sauf sa mère dont l’absolue frontalité, dans cet océan de dos tournés, établit, par delà les trois figures et en quelque sorte comme par défaut, quelque lien fragile et ténu avec sa fille. (…) Hormis cela, rien, la petite fille n’existe dans la scène que comme un supplément ou, pour mieux dire, un reste. (…)
Et l’on se prend à examiner dans d’autres tableaux ces personnages déjetés de la scène, préférablement à droite, et toujours coupés du cadre, n’appartenant à la scène que pour en être exclus et où, là encore, à l’écart du groupe, se lit, selon les lignes qu’un Marc Fumaroli peut écrire sur un tel tableau, le « regard d’honneur » de celui qui sait la place qu’il occupe dans la société du siècle et sans nul doute dans l’œil et le cœur du commentateur (…)
Cet écart, donc : un autre supplément d’une scène qui, recentrée, s’en serait passée. (…)
On dirait ironiquement, un de ces tableaux est intitulé La famille heureuse.

Louis Le Nain, La famille heureuse, 1642, Louvre

Cette fois le petit bonhomme fait mine d’entrer dans la scène, à qui toujours tout le monde qui regarde le spectateur tourne le dos ou que l’on ignore, petit bonhomme comme toujours coupé du cadre ; de même dans Les petits joueurs de carte (Louvre) ou dans La visite à la grand-mère (Ermitage, Saint-Pétersbourg) :

la porte est cette fois littéralement indiquée là où dans les autres elle n’était qu’interprétée : cette partie du tableau, sur la droite est donc bien quelque chose comme une porte, ouvrant sur un en-dehors de la scène, où ces personnages se trouvent où sont sur le point de se trouver ; mais à cette limite là peu importe à vrai dire : il suffit de comprendre ces personnages ou cette porte comme une figure – une métonymie sans doute, un déplacement – de cette limite, de cet ailleurs : la scène comprend dans ce « bonheur » de la vie paysanne la raison même de la mine foncièrement triste de tous ces personnages : le revers, l’absence, la perte. (…) »

Dans son article, Cuzin évoque cette figure difficile à interpréter, « comme isolée, séparée du couple de parents nourriciers qui paraissent, de la même façon, lui tourner le dos » et la rapporte prudemment aux mouvements de charité des années 1640, et aux « enfants abandonnés et recueillis, placés dans des familles d’accueil dans des villages près de Paris, ou même dans les faubourgs, grâce à l’intervention de personnes charitables (…). Doit-on se demander si, dans certains cas, des enfants de la famille de la personne charitable ne sont pas, par intention d’humilité, introduits, un peu à l’écart, dans la composition ? » Interprétation solide, vraisemblable, positiviste, mais qui se fonde bien sur ce fait, récurrent chez Louis Le Nain, de cette mise à l’écart, de cette position à part de l’enfant à la limite du tableau, entre deux mondes : celui de l’intérieur et celui de l’extérieur du tableau, et que, littéralement, personne ne voit.

 

[*] Jean-Pierre Cuzin, « Les Frères Le Nain : le mystère des portraits », Hommage à Michel Laclotte. Études sur la peinture du Moyen-Âge et de la Renaissance, Milan, Electa/Paris, Réunion des musées nationaux, 1994, p. 480-493.

Jeudi 22 et vendredi 23 octobre : Workshop avec Yann Toma

Yann Toma est artiste contemporain et artiste-observateur en résidence permanente au sein de l’ONU. Il positionne son travail, les formes singulières qu’il crée, ainsi que sa réflexion, à la frontière de l’expression artistique et citoyenne et les inscrit dans l’actualité politique et médiatique.

vendredi 23 octobre, 9h-18h, université Bordeaux Montaigne, salle Alban Denuit.

Workshop réservé aux étudiants de master de l’université Bordeaux Montaigne. Sur inscriptions.

//workshop complet//

Mercredi 7 octobre : Francine Flandrin

Le temps qu’elle fait.

« L’iconoclaste Francine Flandrin déploie toute la mesure d’un travail dont l’esprit hétérodoxe frappe dès le premier regard » (Marie Deparis, critique d’art). 

Spécialiste Hue Dada de l’art contemporain, Francine Flandrin révèle dans une recherche plastique et performative transversale, un désir « no limit » de profiter ici et maintenant d’un temps qui ne cesse de filer. Mots d’esprit, glissements sémantiques, grincements de dents et littéralité accompagnent son travail.

16h, CAPC, salle de communication

 

 

Calendrier 2020-2021

Le séminaire se déroule le mercredi de 16h à 18h au Capc de Bordeaux, salle des communications.

Dans la continuité du séminaire de l’année dernière, Richard Leeman poursuivra ses investigations « mythographiques », avec Priape, Saturne, Omphale et d’autres figures mythiques permettant d’articuler une pensée de l’art contemporain.

> 23 septembre, 30 septembre, 14 octobre, 4 novembre.

Comme chaque année, le séminaire invite cet automne des artistes, des critiques, des historiens de l’art à nous parler de leur actualité.

  • 16 septembre – Ronan Charles, artiste
  • 7 octobre – Francine Flandrin, artiste
  • 18 novembre – Vincent Pécoil, critique d’art
  • 2 décembre – Gaspard Delanoë, artiste
  • 16 décembre – Sandra Patron, commissaire d’exposition, directrice du CAPC

Le 23 octobre, le Séminaire sur l’art d’aujourd’hui invite l’artiste Yann Toma pour un workshop destiné aux étudiants de master de l’université Bordeaux Montaigne (sur inscription).

 

Mercredi 16 septembre : Ronan Charles

« Singulièrement fasciné par la constitution d’œuvres comme le Centaure Mourant (2008) d’Alain Séchas, je vois mes créations comme des mises en scène d’un rapport traditionnel à la création artistique (se manifestant soit par la référence à l’histoire de l’art, soit par la mise en scène d’outils ou de matériaux de beaux-arts), réalisées grâce à des outils, des approches retrouvées dans le champ de l’art contemporain (projection, vidéo, interactivité) et nécessitant parfois des opérations particulières dans le temps et l’espace. Cette démarche, qui se caractérise par une manière de promouvoir le travail artistique tout en le segmentant, naît d’une volonté d’inspirer des doutes sur l’activité artistique elle-même. En effet, au-delà de cet aspect d’engagement désengagé, de prise de risque de ne pas en prendre, subsiste un parti pris de la complétude, un dogme associant matériellement des visions antipodiques de l’art (par confrontation ou collaboration plastique) et dont l’objectif est d’amener le regardeur à s’interroger sur l’attrait par « l’originel », l’estimation de la contemporanéité ou encore l’intervention de la référence. Ma démarche s’inscrit donc également dans un art sur l’art et propose par conséquent un partage avec le regardeur sur la complexité d’une activité si proprement humaine. » Ronan Charles

Image : Ronan Charles, L’extase matérielle, marbre blanc, cadre 40 cm, août 2014

http://ronan-charles.com/

16h00, capc, salle des communications.

Avec le concours du pôle culture et vie étudiante, université Bordeaux Montaigne

Mercredi 27 novembre : Barthélémy Toguo

Barthélémy Toguo est né à M’Balmayo, Cameroun, en 1967. Il vit et travaille aujourd’hui entre Paris et Bandjoun au Cameroun. Il est représenté par la Galerie Lelong & Co., Paris et New York. 

Travaillant dans les domaines de la peinture, du dessin, de la sculpture, de la photographie, de la performance et de l’installation, Barthélémy Toguo aborde les questions très contemporaines des frontières, de l’exil et du déplacement. Au cœur de sa pratique se trouve la notion d’appartenance, qui découle de sa double nationalité française et camerounaise.

À travers des gestes poétiques, pleins d’espoir et souvent figuratifs qui relient la nature au corps humain, Toguo s’intéresse aux implications écologiques et sociétales.

Récemment, ses travaux ont été éclairés par des mouvements et des tragédies humanitaires, notamment #Blacklivesmatter et la crise des réfugiés.

 Il déclare : « Ce qui me guide, c’est une esthétique en constante évolution, mais aussi un sens de l’éthique, qui fait une différence, et qui structure toute mon approche. » En 2008, il fonde Bandjoun Station dans son Cameroun natal pour promouvoir l’art et la culture contemporains au sein de la communauté locale. Le centre communautaire comprend un espace d’exposition, une bibliothèque, une résidence d’artiste et une ferme biologique. La plus importante exposition personnelle récente de Barthélémy Toguo a été The Beauty of Our Voice, Parrish Art Museum, Water Mill, New York (2018).

Toguo a été sélectionné pour le Prix Marcel Duchamp 2016 et a été inclus dans l’exposition de groupe des finalistes au Centre Pompidou, Paris. Il a participé à de nombreuses biennales internationales, dont la Biennale Kochi-Muziris, en Inde (2018), la 56e Biennale de Venise (2015), la 11e Biennale de Lyon (2011) et la Biennale Dak’Art (2010). Il a récemment été présenté dans Intriguing Uncertainty, The Parkview Museum Singapore (puis Pékin, Art/Afrique Le Nouvel Atelier, Fondation Louis Vuitton, Paris et Fragile State, Pinchuk Art Centre, Kiev, Ukraine). En 2011, Barthélémy Toguo a été fait Chevalier de l’ordre des Arts et des lettres en France.

Ses œuvres font partie des collections publiques du monde entier, notamment la Tate Modern, à Londres, le Centre Pompidou à Paris, le Musée d’art contemporain de Lyon, le Studio Museum Harlem, New York et le Museum of Modern Art, New York.

(Source galerie Lelong & Co., http://www.galerielelong.com/artists/barthelemy-toguo)

16h00, capc, salle des communications.

Avec le concours du pôle culture et vie étudiante, université Bordeaux Montaigne

Mercredi 20 novembre : Yann Toma

Yann Toma est artiste contemporain et artiste-observateur en résidence permanente au sein de l’ONU. Il positionne son travail, les formes singulières qu’il crée, ainsi que sa réflexion, à la frontière de l’expression artistique et citoyenne et les inscrit dans l’actualité politique et médiatique. Son travail artistique fait partie de nombreuses collections. Son œuvre est notamment intégrée à la collection du Centre Georges Pompidou. Son exposition participative personnelle au Grand Palais Dynamo-Fukushima (septembre 2011) a réuni plus de 24 000 personnes en près de trois jours en résonance avec les populations touchées par la catastrophe de Fukushima. De même avec Human Energy (décembre 2015), l’artiste a investi la Tour Eiffel dans son intégralité pendant la semaine des négociations de la COP21 et a additionné les calories de 80 millions de runners en une semaine. En 2016 il a fait danser autour de Human Greenergy 42 000 personnes pour sensibiliser la population de Pékin sur la transition énergétique (Institut Français, Pékin). Dans le cadre de la recherche universitaire, il est professeur des universités à l’École de Arts de La Sorbonne et dirige l’équipe de recherche Art&Flux (ACTE/CNRS) qui se consacre à la question de l’entreprise-artiste et de la transition énergétique. Il est également membre de l’Institut des Hautes Etudes en Sciences et Technologies (IHEST).
 
 

16h00, capc, salle des communications

 

Avec le concours du pôle culture et vie étudiante, université Bordeaux Montaigne

Mercredi 23 octobre : Geörgette Power

« Geörgette Power développe depuis une dizaine d’années un travail entre écriture, objet et vidéo. Basées sur une approche hybride de l’image dans laquelle se mêlent prises de vue réelles, animations 2D, 3D, langues étrangères ou inventées, textes, effets divers de post-production, ses créations audio-visuelles forment le cœur de sa pratique. Des vidéos qui tendent souvent vers des climats oniriques. Sur leurs chemins narratifs nous croisons le monde en modélisations, des êtres sans corps, des situations cocasses dans lesquelles le vide environnant prend la valeur d’une lumière qui éclaire routes, axes, perspective. À l’instar des rêves, c’est toutefois un état du réel et du monde qui s’y acte. Le sommeil profond met en valeur notre unité fragmentée. Notre syntaxe peut y être celle d’une algue, d’un octet, d’un oursin, d’un chien, d’un loup, nous révélant ainsi êtres pluriels… »

16h00, capc, salle des communications

 

Avec le concours du pôle culture et vie étudiante, université Bordeaux Montaigne

Mercredi 25 septembre : Christian Berst

PENSER L’ART BRUT, PANSER L’ART

Christian Berst est un collectionneur et galeriste français spécialisé dans l’art brut. Il est également commissaire d’expositions, conférencier, éditeur et auteur d’articles dans des publications internationales de référence. En 2005, il ouvre une première galerie dans le quartier de la Bastille qu’il déménage dans le Marais, passage des Gravilliers, 5 ans plus tard.

Il conçoit sa galerie comme une plateforme d’exploration et de décloisonnement afin de donner à voir et à penser l’art brut, par-delà les dogmatismes. Avec sept expositions par an, la publication de plus de 60 catalogues bilingues, l’organisation de dizaines de table-rondes, la galerie est avant tout réputée pour ses nombreuses découvertes d’artistes bruts à travers le monde. Mais Christian Berst est avant tout attaché à montrer tout le spectre formel de l’art brut, quel qu’en soit le style ou l’époque.

Ces dernières années, des institutions telles que le Palais de Tokyo, le Musée du Quai Branly, la fondation Louis Vuitton, le Kunstforum de Vienne, et bien d’autres l’ont sollicité pour des prêts d’œuvres. Tandis que plusieurs artistes représentés par la galerie ont récemment rejoint de prestigieuses collections publiques comme le Centre Pompidou, le Musée d’art moderne de la ville de Paris, le MoMA ou le MET.

Une quinzaine d’entre eux figuraient également dans la sélection des Biennales de Venise 2013 et 2017 et la récente exposition Photo Brut aux Rencontres internationales de la Photographie d’Arles a offert la consécration à un grand nombre d’artistes découverts ou défendus par la galerie.

En juin 2020, Christian Berst dirigera, avec Raphaël Koenig, le colloque de Cerisy consacré à l’art brut.

16h00, capc, salle des communications

 

Avec le concours du pôle culture et vie étudiante, université Bordeaux Montaigne